El baile Morris es una de esas cosas que te sabes de memoria o que sólo has visto en un vídeo turístico borroso. Es una danza folclórica tradicional inglesa que se realiza en grupos. Ya conoces la vibra. Primavera. Festivales de principios de verano. May Day. Chicos con camisas blancas. Campanas resonando en sus espinillas.
Es un juego de pies coordinado. Pasos. Lúpulo. Saltos. Y música folklórica en vivo.
Durante mucho tiempo fue territorio estrictamente de hombres en las comunidades rurales. Pero eso está cambiando rápidamente. Hoy en día, la danza es reconocida por su diversidad y creciente inclusión. Ya no se trata sólo de preservar el pasado. Se trata de quién puede bailarlo ahora.
Estilos y raíces europeas
No hay un solo baile de Morris. Hay decenas de estilos, cada uno con su propio ADN. Cotswold. Borde. Noroeste. Muchacha. Danzas de espadas.
Cada estilo está moldeado por distintas historias locales. Los movimientos difieren. Los accesorios difieren. La música difiere.
Y no es sólo un fenómeno inglés. Los estudiosos señalan que la danza Morris está relacionada con formas dramáticas o estacionales relacionadas, como la momia. Se trata de una tradición invernal en la que artistas disfrazados representan breves obras folclóricas.
Mira al otro lado del agua. En toda Europa aparecen danzas rituales y de palos comparables.
- Los moriscas (o moriscos ) de España
- El ball de bastons de Europa Occidental
- călușari de Rumania
Esta distribución geográfica es significativa. Algunos estudiosos sugieren que refleja una antigua herencia europea compartida. Estamos ante una tradición continental que se dividió en distintas ramas a lo largo de los siglos.
La controversia sobre la pintura facial
Aquí es donde la cosa se complica.
Algunos bailarines de Morris y Molly, especialmente en las tradiciones fronterizas, históricamente se han pintado la cara de negro. O utilizó otras formas de disfraz.
¿Por qué?
Algunos artistas dicen que fue para evitar ser reconocidos mientras actuaban en público. Otros afirman que reflejaba la apariencia de los trabajadores locales, como los mineros del carbón o los deshollinadores. Esas historias parecen plausibles en la superficie. Pero los estudiosos señalan que el ennegrecimiento de la cara se volvió más generalizado en el siglo XIX.
Ese momento importa.
El siglo XIX vio el auge de los espectáculos de juglares con cara negra. Esas caricaturas racistas estaban por todas partes. Es probable que influyeran en la práctica. Las teorías anteriores, como intentar parecer moriscos o “exóticos”, carecen de evidencia directa. Suenan bien en una sala de conferencias. No resisten el escrutinio.
Hoy en día, muchos equipos utilizan máscaras o pintura facial de colores.
Están reconociendo la preocupante historia de la cara negra. Su objetivo es hacer que sus actuaciones sean más inclusivas.
La mecánica del rendimiento
Los grupos, llamados bandos, suelen realizar danzas Morris en conjuntos o en filas.
La coreografía es exigente. Implica pasos coordinados. Lúpulo. Saltos. Alcaparras. Una travesura es un salto lúdico.
Necesitas ritmo. Necesitas sincronización.
Los bailarines llevan cascabeles atados a sus espinillas. Prendas blancas. Fajas de colores. Cintas. Sombreros decorados. Es un espectáculo visual.
Los accesorios entran en juego. Palos. Pañuelos. Espadas. Chocan. Saludan. Patrones estilizados llenan el aire.
La música folklórica en vivo impulsa todo el asunto. Melodeones. Violines. Concertinas.
A veces los personajes se unen a la refriega. Un tonto. Una bestia. Caballos de afición. Búhos. Figuras fantasiosas.
Atraen a la audiencia. Inyecta humor. Interrumpir juguetonamente la actuación.
Tomemos como ejemplo el ajuste de frijoles. Se caracteriza por el choque de palos emparejados y movimientos de plantación imitados. Evoca temas agrícolas. Ciclos estacionales. Siembra de primavera.
No es sólo un baile. Es un ritual.
La brecha histórica
Hemos cubierto el qué. El cómo. La OMS.
Pero la sección de historia del material original se corta.
Eso deja un vacío. Uno grande.
¿Dónde se formaron realmente los primeros equipos de Morris? ¿Quiénes fueron los primeros bailarines? ¿Qué pasó con la danza durante la Revolución Industrial?
El texto así lo insinúa. Influencia del siglo XIX. Espectáculos de juglar de cara negra. El cambio de la cara negra a la pintura colorida.
¿Pero las raíces profundas? ¿Los orígenes anteriores al siglo XIX?
Falta esa parte.
Así que nos quedamos con un baile que está claramente evolucionando. Del ritual rural al espectáculo público. Desde grupos masculinos exclusivos hasta bandos diversos e inclusivos.
Las campanas todavía suenan. Los palos todavía chocan.
Pero el contexto está cambiando. Rápido.
¿Cuánto tiempo pasará hasta que el aspecto “tradicional” sea completamente irreconocible?
O
Comenzó en las cortes de la Inglaterra del siglo XV. Lo que comenzó como un entretenimiento de élite acabó convirtiéndose en el barro de las tradiciones del pueblo. La etimología es confusa, pero la mayoría de los estudiosos señalan morisco, la palabra española que significa “morisco”. Cuando los monarcas Tudor como Enrique VIII e Isabel I subieron al trono en el siglo XVI, el baile Morris se había convertido en un elemento básico de las máscaras de la corte y el boato público.
La tradición se arraigó profundamente en el suelo rural en el siglo XVII. Fue un elemento fijo en las celebraciones del Primero de Mayo y en los eventos de gran actividad. Las comunidades colocarían juncos frescos en el suelo de las iglesias para mantener la piedra fría y seca. El baile, la música y la celebración siguieron naturalmente.
Entonces llegó el declive.
Los siglos XVIII y XIX vieron esta forma de arte retirarse a la oscuridad rural. La urbanización cambió la vida pública. Las normas culturales cambiaron. El baile de Morris casi desapareció.
Pero no murió.
Salvando los pasos de la oscuridad
El resurgimiento comenzó a principios del siglo XX. Folcloristas y entusiastas entraron en pánico ante la desaparición de la tradición. Intentaron preservarlo y formalizarlo antes de que desapareciera para siempre.
Cecil Sharp fue la figura central de esta misión de rescate. En 1899, el profesor de música y folclorista vio actuar a los Headington Quarry Morris Men en Oxfordshire. Quedó impresionado por el espectáculo. Documentó sus bailes. Comenzó a coleccionar canciones y bailes populares de toda Inglaterra.
Sharp compiló casi 5.000 melodías. Fundó la Sociedad Inglesa de Danza Folclórica en 1911. Sus esfuerzos dieron forma al renacimiento folclórico temprano.
Más tarde afrontó duras críticas. Fue acusado de coleccionismo selectivo. Marginó a los colaboradores. La sufragista Mary Neal, por ejemplo, fue dejada de lado. Pero su trabajo conservó las tradiciones que forman la columna vertebral de la danza Morris moderna. Sin su archivo, los pasos podrían haberse perdido.
Rompiendo el monopolio masculino
El baile morris a menudo se percibe como una tradición dominada por los hombres. Esa percepción es incompleta. Mujeres y niñas han participado al menos desde finales del siglo XIX. Las formas regionales como North West Morris vieron la participación femenina desde el principio.
Los relatos periodísticos de la época lo demuestran. En 1898 se documentó un equipo de niñas en la aldea de Goostrey en Cheshire. En 1912, existía un equipo mixto en Holmes Chapel.
Entonces la participación no era generalizada. Pero fue localmente significativo. Creció gradualmente.
Algunos equipos fueron entrenados por ex bailarines de equipos establecidos. Otros confiaron en instructores de baile locales con más experiencia.
La Primera Guerra Mundial cambió el panorama. El servicio militar obligatorio y las bajas redujeron el grupo de bailarines masculinos disponibles. El número de equipos liderados por mujeres creció durante y después de la guerra. Era una necesidad nacida de la tragedia.
Adaptación y nuevas formas
En las décadas de 1920 y 1930 se produjo un aumento de equipos femeninos y mixtos en el noroeste de Inglaterra. Los festivales del Primero de Mayo y los eventos comunitarios crearon demanda. Proporcionaron lugares públicos para actuaciones.
Estos equipos adaptaron bailes más antiguos. Innovaron nuevas figuras. Crearon nuevas formaciones.
A finales del siglo XX, el baile Morris femenino era parte integral del renacimiento folclórico. Se expandió mediante la reinterpretación de formas tradicionales. También vio el desarrollo de nuevos estilos.
El censo Morris de 2023 ofrece un marcado contraste con la realidad del siglo XIX. Las mujeres ahora representan más del 50 por ciento de los participantes en el Reino Unido. La representación de bailarines no binarios y de género diverso está creciendo.
Equipos como Boss Morris y Molly No-Mates están superando los límites. Integran temas feministas y queer en sus estilos de baile y presentación. Adoptan la actuación como medio de expresión cultural.
Continúan el legado del juego de género históricamente arraigado en el baile de Molly. La tradición ya no se trata sólo de preservar el pasado. Se trata de redefinir el presente.
El ritmo regional del morris inglés
¿Crees que conoces el baile de Morris? Probablemente sea solo el estilo Cotswold. Es el que tiene camisas blancas, cintas y campanas golpeando tus espinillas. Originaria de Gloucestershire, Oxfordshire y los condados circundantes, es la forma más reconocible. Los bailarines agitan pañuelos o palos de claqué. Bastante simple. Pero English Morris es una cosa extensa, desordenada y vibrante. No es un monolito. Es un mosaico de estilos regionales, cada uno con sus propios pasos, vestuario e impulsores musicales.
Mire hacia el oeste y llegará a Border Morris. Esto no es educado. Es vigoroso, teatral. Piense en abrigos de trapo, pintura facial y tal vez un disfraz completo. Desarrollado en los condados fronterizos de Gales, se inclina hacia un movimiento audaz y de percusión. El choque de palos es la norma aquí. Es espectáculo visual primero, baile después.
Luego está el noroeste. Centros industriales de Lancashire, Greater Manchester y Cheshire. Los bailarines aquí usan zuecos con suela de hierro. Zapatos duros sobre pavimento duro. Trajes coloridos, claro, pero inspirados en la vestimenta festiva del siglo XIX, no en la pureza popular. Desfilan por pueblos y aldeas. Guirnaldas, palos cortos con cascabeles o hondas trenzadas se vuelven parte del caos. El paso enérgico al ritmo de la música crea una atmósfera festiva y rítmica que se siente menos como un espectáculo y más como una celebración del trabajo.
Subversión y Primavera
Cruza el mapa hasta Cambridgeshire Fens y las cosas se ponen raras. En el buen sentido. Esta es Molly bailando. Asociado con el lunes del arado, el primer lunes después de la Epifanía, cuando los trabajadores agrícolas finalmente volvieron a arar después de las vacaciones de pleno invierno, tiene sus raíces en una región pantanosa y baja del este de Inglaterra.
El disfraz es clave. El travestismo era común. Históricamente, se consideraba rudo, humorístico o incluso socialmente subversivo. Hoy en día, los avivamientos se han inclinado hacia ese espíritu. Disfraces creativos. Expresión de género lúdica. Es un vínculo directo con una época en la que el baile era una forma de luchar contra las rígidas normas sociales.
Percusión y palas
El juego de pies cambia dependiendo de dónde te encuentres. En el paso de zueco inglés, desarrollado en las ciudades industriales del norte, los trabajadores usaban pesados zapatos con suela de madera. Se trata de percusión rítmica. Pero salta del Atlántico a los Apalaches y el estilo cambia. El zueco de los Apalaches combina las tradiciones inglesa, irlandesa y afroamericana. Es variado. Es americano. Las raíces son similares, pero las ramas se han divergido por completo.
Luego están las espadas. No querrás que te pinchen.
El baile con espada larga, de Yorkshire, utiliza hojas rígidas. Los equipos los sostienen y forman intrincados patrones circulares. ¿El final? Una formación de estrella o bloqueo. Ajustado. Preciso. El baile de espadas del rapero, sin embargo, proviene del noreste. Utiliza hojas de acero flexibles. Esa flexibilidad permite figuras rápidas y complejas. Cifras que serían imposibles con espadas rígidas. Es una muestra de agilidad y confianza. Si fallas un paso, estarás sosteniendo una hoja de acero flexible a unos centímetros de tu nariz.
El simbolismo de la primavera
Finalmente, están las cosas de temporada. Bailes de mayo y pentagrama. Se trata de actuaciones grupales centradas en elementos simbólicos. El baile del palo de mayo es un elemento básico de las celebraciones del Primero de Mayo. Los bailarines tejen cintas alrededor de un poste central en patrones elaborados. Es colorido. Es comunitario.
El baile con pentagrama es diferente. Arraigado en condados del suroeste como Somerset y Dorset. Los artistas llevan largos postes decorados sobre sus hombros. Siguen los pasos coreografiados. Se trata menos de tejer y más de equilibrio y formación.
Los estilos cambian. La música cambia. Los riesgos varían. No estás simplemente viendo un baile. Estás viendo la historia moverse a través de un campo.
