A dança de Morris é uma daquelas coisas que você sabe de cor ou só viu em um vídeo turístico borrado. É uma dança folclórica tradicional inglesa realizada em grupos. Você conhece a vibração. Primavera. Festivais do início do verão. Socorro. Caras de camisa branca. Sinos tocando em suas canelas.
É um trabalho de pés coordenado. Passos. Lúpulo. Saltos. E música folclórica ao vivo.
Durante muito tempo, foi território estritamente masculino nas comunidades rurais. Mas isso está mudando rapidamente. Hoje, a dança é reconhecida pela sua diversidade e crescente inclusão. Não se trata mais apenas de preservar o passado. É sobre quem vai dançar agora.
Estilos e raízes europeias
Não há apenas uma dança de Morris. São dezenas de estilos, cada um com seu DNA. Cotswold. Fronteira. Noroeste. Molly. Danças de espada.
Cada estilo é moldado por histórias locais distintas. Os movimentos são diferentes. Os adereços são diferentes. A música é diferente.
E não é apenas um fenômeno inglês. Os estudiosos apontam que a dança de Morris está ligada a formas sazonais ou dramáticas relacionadas, como a mumming. Essa é uma tradição de inverno em que artistas fantasiados encenam pequenas peças folclóricas.
Olhe através da água. Danças rituais e de bastões comparáveis aparecem em toda a Europa.
- moriscas da Espanha (ou moriscos )
- ball de bastons da Europa Ocidental
- călușari da Romênia
Esta distribuição geográfica é significativa. Alguns estudiosos sugerem que reflete uma antiga herança europeia partilhada. Estamos perante uma tradição continental que se dividiu em ramos distintos ao longo dos séculos.
A controvérsia da pintura facial
É aqui que fica confuso.
Alguns dançarinos de Morris e Molly, especialmente nas tradições da fronteira, historicamente pintaram seus rostos de preto. Ou usou outras formas de disfarce.
Por que?
Alguns artistas dizem que foi para evitar serem reconhecidos enquanto se apresentavam em público. Outros afirmam que refletia a aparência de trabalhadores locais, como mineiros de carvão ou limpadores de chaminés. Essas histórias parecem plausíveis superficialmente. Mas os estudiosos apontam que o escurecimento facial se tornou mais difundido no século XIX.
Esse momento é importante.
O século 19 viu o surgimento dos shows de menestréis blackface. Essas caricaturas racistas estavam por toda parte. É provável que eles tenham influenciado a prática. Teorias anteriores – como tentar parecer mourisco ou parecer “exótico” – carecem de evidências diretas. Eles soam bem em uma sala de aula. Eles não resistem ao escrutínio.
Hoje, muitas equipes usam máscaras ou pinturas faciais coloridas.
Eles estão reconhecendo a história preocupante do blackface. Eles pretendem tornar suas performances mais inclusivas.
A Mecânica de Desempenho
Grupos, chamados de lados, normalmente executam danças de Morris em conjuntos ou linhas.
A coreografia é exigente. Envolve etapas coordenadas. Lúpulo. Saltos. Alcaparras. Uma alcaparra é um salto divertido.
Você precisa de ritmo. Você precisa de sincronização.
Os dançarinos usam sinos amarrados nas canelas. Roupas brancas. Faixas coloridas. Fitas. Chapéus decorados. É um espetáculo visual.
Os adereços entram em jogo. Varas. Lenços. Espadas. Eles se chocam. Eles acenam. Padrões estilizados enchem o ar.
A música folclórica ao vivo impulsiona tudo. Melodeões. Violino. Concertinas.
Às vezes, os personagens entram na briga. Um tolo. Uma fera. Cavalos de passatempo. Corujas. Figuras fantasiosas.
Eles envolvem o público. Injete humor. Interrompa o desempenho de maneira divertida.
Faça a configuração do feijão. É caracterizado por choques de varas emparelhadas e movimentos simulados de plantio. Evoca temas agrícolas. Ciclos sazonais. Plantio de primavera.
Não é apenas uma dança. É um ritual.
A lacuna histórica
Nós cobrimos o quê. O como. A WHO.
Mas a seção histórica do material de origem é interrompida.
Isso deixa uma lacuna. Um grande problema.
Onde os primeiros times de Morris realmente se formaram? Quem foram os primeiros dançarinos? O que aconteceu com a dança durante a Revolução Industrial?
O texto sugere isso. Influência do século XIX. Shows de menestréis Blackface. A mudança do blackface para a pintura colorida.
Mas as raízes profundas? As origens anteriores ao século XIX?
Essa parte está faltando.
Então ficamos com uma dança que está claramente evoluindo. Do ritual rural ao espetáculo público. De grupos masculinos exclusivos a lados diversos e inclusivos.
Os sinos ainda tocam. As varas ainda se chocam.
Mas o contexto está mudando. Rápido.
Quanto tempo até que o visual “tradicional” fique completamente irreconhecível?
Ou
Tudo começou nas cortes da Inglaterra do século XV. O que começou como entretenimento de elite acabou caindo na lama das tradições da aldeia. A etimologia é obscura, mas a maioria dos estudiosos aponta para morisco – a palavra espanhola para “mourisco”. Na época em que monarcas Tudor como Henrique VIII e Elizabeth I assumiram o trono no século 16, a dança de Morris havia se tornado um elemento básico das máscaras da corte e da pompa pública.
A tradição se instalou profundamente no solo rural no século XVII. Era uma presença constante nas celebrações do Primeiro de Maio e em eventos agitados. As comunidades colocavam juncos frescos no chão das igrejas para manter a pedra fria e seca. Dança, música e celebração seguiram-se naturalmente.
Então veio o declínio.
Os séculos 18 e 19 viram a forma de arte recuar para a obscuridade rural. A urbanização mudou a vida pública. As normas culturais mudaram. A dança de Morris quase desapareceu.
Mas não morreu.
Salvando as etapas da obscuridade
O renascimento começou no início do século XX. Folcloristas e entusiastas entraram em pânico com o desaparecimento da tradição. Eles procuraram preservá-lo e formalizá-lo antes que desaparecesse para sempre.
Cecil Sharp foi a figura central nesta missão de resgate. Em 1899, o professor de música e folclorista assistiu à apresentação dos Headington Quarry Morris Men em Oxfordshire. Ele ficou impressionado com o espetáculo. Ele documentou suas danças. Ele começou a colecionar canções e danças folclóricas em toda a Inglaterra.
Sharp compilou quase 5.000 músicas. Ele fundou a Sociedade Inglesa de Dança Folclórica em 1911. Seus esforços moldaram o renascimento do folk.
Sharp enfrentou críticas mais tarde. Ele foi acusado de coleta seletiva. Ele marginalizou colaboradores. A sufragista Mary Neal, por exemplo, foi deixada de lado. Mas seu trabalho preservou as tradições que formam a espinha dorsal da dança moderna de Morris. Sem o seu arquivo, as etapas poderiam ter sido perdidas.
Quebrando o monopólio masculino
A dança de Morris é frequentemente percebida como uma tradição dominada pelos homens. Essa percepção está incompleta. Mulheres e meninas participam pelo menos desde o final do século XIX. Formas regionais como North West Morris viram o envolvimento feminino desde o início.
Relatos de jornais da época fornecem provas. Uma equipe feminina foi documentada na vila de Goostrey, em Cheshire, em 1898. Em 1912, uma equipe mista de gêneros existia na Capela Holmes.
A participação não era generalizada naquela época. Mas foi localmente significativo. Cresceu gradualmente.
Algumas equipes foram treinadas por ex-dançarinos de equipes consagradas. Outros contaram com instrutores de dança locais com experiência mais ampla.
A Primeira Guerra Mundial mudou o cenário. O recrutamento e as baixas reduziram o número de dançarinos disponíveis. O número de equipas lideradas por mulheres cresceu durante e após a guerra. Foi uma necessidade nascida da tragédia.
Adaptação e Novos Formulários
As décadas de 1920 e 1930 viram um aumento no número de equipes femininas e mistas no noroeste da Inglaterra. Os festivais do Primeiro de Maio e eventos comunitários criaram demanda. Eles forneceram locais públicos para apresentações.
Essas equipes adaptaram danças mais antigas. Eles inovaram em novas figuras. Eles criaram novas formações.
No final do século 20, a dança Morris feminina era parte integrante do renascimento folclórico. Expandiu-se através da reinterpretação de formas tradicionais. Também viu o desenvolvimento de novos estilos.
O Censo Morris de 2023 oferece um forte contraste com a realidade do século XIX. As mulheres representam agora mais de 50 por cento dos participantes no Reino Unido. A representação de bailarinos não binários e com diversidade de género está a crescer.
Equipes como Boss Morris e Molly No-Mates estão ultrapassando limites. Eles integram temas feministas e queer em seus estilos de dança e apresentação. Eles abraçam a performance como meio de expressão cultural.
Eles continuam o legado do jogo de gênero historicamente incorporado na dança Molly. A tradição não se trata mais apenas de preservar o passado. Trata-se de redefinir o presente.
O Ritmo Regional do Morris Inglês
Você acha que conhece Morris dançando? Provavelmente é apenas o estilo Cotswold. É aquele com camisas brancas, fitas e sinos tocando nas canelas. Originário de Gloucestershire, Oxfordshire e dos condados vizinhos, é a forma mais reconhecível. Os dançarinos agitam lenços ou batem paus. Bastante simples. Mas o English Morris é uma coisa extensa, confusa e vibrante. Não é um monólito. É uma colcha de retalhos de estilos regionais, cada um com seus próprios passos, trajes e drivers musicais.
Olhe para o oeste e você chegará a Border Morris. Isso não é educado. É vigoroso, teatral. Pense em casacos de trapos, pintura facial e talvez um disfarce completo. Desenvolvido nos condados fronteiriços do País de Gales, inclina-se para um movimento ousado e percussivo. O confronto entre varas é a norma aqui. É um espetáculo visual primeiro, depois a dança.
Depois, há o Noroeste. Centros industriais de Lancashire, Grande Manchester e Cheshire. Os dançarinos aqui usam tamancos com sola de ferro. Sapatos duros em pavimento duro. Trajes coloridos, claro, mas inspirados nos trajes festivos do século 19, não na pureza folclórica. Eles desfilam pelas cidades e vilas. Guirlandas, bastões curtos com sinos ou fundas trançadas tornam-se parte do caos. O ritmo energético da música cria uma atmosfera festiva e rítmica que parece menos um desfile e mais uma celebração do trabalho.
Subversão e Primavera
Atravesse o mapa até Cambridgeshire Fens e as coisas ficam estranhas. No bom sentido. Esta é Molly dançando. Associado à segunda-feira do arado – a primeira segunda-feira após a Epifania, quando os trabalhadores agrícolas finalmente voltaram a arar após as férias de inverno – está enraizado em uma região pantanosa e baixa do leste da Inglaterra.
Disfarce é fundamental. Travestir era comum. Historicamente, foi considerado rude, bem-humorado ou mesmo socialmente subversivo. Hoje, os avivamentos se inclinaram para esse espírito. Trajes criativos. Expressão de gênero lúdica. É uma ligação direta com uma época em que a dança era uma forma de resistir às rígidas normas sociais.
Percussão e Lâminas
O footwork muda dependendo de onde você está. Na etapa inglesa do tamanco, desenvolvida nas cidades industriais do norte, os trabalhadores usavam sapatos pesados com sola de madeira. É tudo uma questão de percussão rítmica. Mas salte o Atlântico para os Apalaches e o estilo muda. O tamanco dos Apalaches combina tradições inglesas, irlandesas e afro-americanas. É variado. É americano. As raízes são semelhantes, mas os ramos divergiram completamente.
Depois, há as espadas. Você não quer ser cutucado.
A dança da espada longa, de Yorkshire, usa lâminas rígidas. As equipes os seguram e formam padrões circulares intrincados. O final? Uma formação de estrela ou fechadura. Apertado. Preciso. A dança da espada do rapper, porém, vem do Nordeste. Utiliza lâminas de aço flexíveis. Essa flexibilidade permite números rápidos e complexos. Números que seriam impossíveis com espadas rígidas. É uma demonstração de agilidade e confiança. Se você errar um passo, estará segurando uma lâmina de aço flexível a alguns centímetros do nariz.
Simbolismo da Primavera
Finalmente, há as coisas sazonais. Danças de mastro e pauta. São performances coletivas centradas em adereços simbólicos. A dança do mastro é um marco nas celebrações do Primeiro de Maio. Os dançarinos tecem fitas em torno de um poste central em padrões elaborados. É colorido. É comunitário.
A dança da pauta é diferente. Enraizado em condados do sudoeste como Somerset e Dorset. Os artistas carregam longos mastros decorados nos ombros. Seguem etapas coreografadas. Tem menos a ver com tecelagem e mais com equilíbrio e formação.
Os estilos mudam. A música muda. Os riscos variam. Você não está apenas assistindo a uma dança. Você está observando a história se mover através de um campo.
