La danse Morris fait partie de ces choses que vous connaissez par cœur ou que vous n’avez vues que dans une vidéo touristique floue. C’est une danse folklorique anglaise traditionnelle exécutée en groupe. Vous connaissez l’ambiance. Printemps. Festivals du début de l’été. Au secours. Des gars en chemise blanche. Des cloches résonnaient sur leurs tibias.
C’est un jeu de jambes coordonné. Mesures. Houblon. Des sauts. Et de la musique folk live.
Pendant longtemps, ce territoire était réservé aux hommes dans les communautés rurales. Mais cela change rapidement. Aujourd’hui, la danse est reconnue pour sa diversité et son inclusivité croissante. Il ne s’agit plus seulement de préserver le passé. Il s’agit de savoir qui peut danser maintenant.
Styles et racines européennes
Il n’y a pas qu’une seule danse Morris. Il existe des dizaines de styles, chacun avec son propre ADN. Cotswolds. Frontière. Nord-Ouest. Molly. Danses de l’épée.
Chaque style est façonné par des histoires locales distinctes. Les mouvements diffèrent. Les accessoires diffèrent. La musique diffère.
Et ce n’est pas seulement un phénomène anglais. Les chercheurs soulignent que la danse Morris est liée à des formes saisonnières ou dramatiques telles que le mumming. C’est une tradition hivernale où des artistes costumés jouent de courtes pièces folkloriques.
Regardez de l’autre côté de l’eau. Des danses de bâton et rituelles comparables apparaissent dans toute l’Europe.
- Les moriscas d’Espagne (ou moriscos )
- Le ball de bastons d’Europe occidentale
- călușari de Roumanie
Cette répartition géographique est significative. Certains chercheurs suggèrent que cela reflète un héritage européen ancien partagé. Nous examinons une tradition à l’échelle du continent qui s’est divisée en branches distinctes au fil des siècles.
La controverse sur la peinture pour le visage
C’est ici que ça devient compliqué.
Certains danseurs Morris et Molly, en particulier dans les traditions frontalières, ont historiquement peint leur visage en noir. Ou utilisé d’autres formes de déguisement.
Pourquoi?
Certains artistes disent que c’était pour éviter d’être reconnus lorsqu’ils se produisaient en public. D’autres prétendent que cela reflétait l’apparence des travailleurs locaux comme les mineurs de charbon ou les ramoneurs. Ces histoires semblent plausibles en surface. Mais les chercheurs soulignent que le noircissement du visage est devenu plus répandu au XIXe siècle.
Ce timing compte.
Le 19ème siècle a vu l’essor des spectacles de ménestrels blackface. Ces caricatures racistes étaient partout. Il est probable qu’ils aient influencé cette pratique. Les théories antérieures – comme essayer de paraître mauresque ou de paraître « exotique » – manquent de preuves directes. Ils sonnent bien dans une salle de conférence. Ils ne résistent pas à un examen minutieux.
Aujourd’hui, de nombreuses équipes utilisent plutôt du maquillage ou des masques colorés.
Ils reconnaissent l’histoire troublante du blackface. Ils visent à rendre leurs performances plus inclusives.
Les mécanismes de performance
Les groupes, appelés côtés, exécutent généralement des danses Morris en séries ou en lignes.
La chorégraphie est exigeante. Cela implique des étapes coordonnées. Houblon. Des sauts. Câpres. Un câpres est un saut ludique.
Il faut du rythme. Vous avez besoin de synchronisation.
Les danseurs portent des cloches attachées à leurs tibias. Des vêtements blancs. Ceintures colorées. Rubans. Chapeaux décorés. C’est un spectacle visuel.
Les accessoires entrent en jeu. Des bâtons. Mouchoirs. Épées. Ils s’affrontent. Ils font signe. Des motifs stylisés remplissent l’air.
La musique folk live anime le tout. Mélodéons. Des violons. Concertins.
Parfois, des personnages entrent dans la mêlée. Un imbécile. Une bête. Chevaux de loisir. Chouettes. Des chiffres fantaisistes.
Ils engagent le public. Injectez de l’humour. Perturbez la performance de manière ludique.
Prenez le réglage des haricots. Il se caractérise par des collisions de bâtons et des mouvements de plantation mimés. Il évoque des thèmes agricoles. Cycles saisonniers. Plantation de printemps.
Ce n’est pas seulement une danse. C’est un rituel.
Le fossé historique
Nous avons couvert le quoi. Le comment. L’OMS.
Mais la section historique du matériel source est coupée.
Cela laisse un vide. Un gros.
Où se sont réellement formées les premières équipes de Morris ? Qui étaient les premiers danseurs ? Qu’est-il arrivé à la danse pendant la révolution industrielle ?
Le texte y fait allusion. Influence du XIXe siècle. Spectacles de ménestrels Blackface. Le passage du blackface à la peinture colorée.
Mais les racines profondes ? Les origines d’avant le XIXème siècle ?
Cette partie manque.
On se retrouve donc avec une danse qui est clairement en évolution. Du rituel rural au spectacle public. Des groupes masculins exclusifs aux équipes diverses et inclusives.
Les cloches sonnent toujours. Les bâtons s’affrontent toujours.
Mais le contexte évolue. Rapide.
Combien de temps faudra-t-il pour que le look « traditionnel » soit complètement méconnaissable ?
Ou
Tout a commencé dans les tribunaux anglais du XVe siècle. Ce qui a commencé comme un divertissement d’élite a fini par dériver dans la boue des traditions villageoises. L’étymologie est trouble, mais la plupart des érudits désignent morisco, le mot espagnol pour « maure ». Au moment où les monarques Tudor comme Henri VIII et Elizabeth Ier accédèrent au trône au XVIe siècle, la danse Morris était devenue un incontournable des masques de cour et des spectacles publics.
La tradition s’est profondément ancrée dans le sol rural au XVIIe siècle. C’était un incontournable des célébrations du 1er mai et des événements marquants. Les communautés déposaient des joncs frais sur le sol des églises pour garder la pierre froide et sèche. La danse, la musique et la célébration ont suivi naturellement.
Puis le déclin a frappé.
Les XVIIIe et XIXe siècles ont vu cette forme d’art se retirer dans l’obscurité rurale. L’urbanisation a changé la vie publique. Les normes culturelles ont changé. Morris Dancing a presque disparu.
Mais il n’est pas mort.
Sauver les étapes de l’obscurité
Le renouveau a commencé au début du XXe siècle. Les folkloristes et les passionnés ont paniqué face à la disparition de la tradition. Ils ont cherché à le préserver et à le formaliser avant qu’il ne disparaisse à jamais.
Cecil Sharp était le personnage central de cette mission de sauvetage. En 1899, le professeur de musique et folkloriste a regardé les Headington Quarry Morris Men se produire dans l’Oxfordshire. Il a été frappé par le spectacle. Il a documenté leurs danses. Il a commencé à collectionner des chansons et des danses folkloriques à travers l’Angleterre.
Sharp a compilé près de 5 000 morceaux. Il a fondé l’English Folk Dance Society en 1911. Ses efforts ont façonné le début du renouveau folklorique.
Sharp a fait face à des critiques plus tard. Il a été accusé de collecte sélective. Il a marginalisé les collaborateurs. La suffragette Mary Neal, par exemple, a été écartée. Mais son travail a préservé les traditions qui constituent l’épine dorsale de la danse Morris moderne. Sans ses archives, les marches auraient pu être perdues.
Briser le monopole masculin
La danse Morris est souvent perçue comme une tradition dominée par les hommes. Cette perception est incomplète. Les femmes et les filles participent depuis au moins la fin du 19e siècle. Les formes régionales comme North West Morris ont vu très tôt l’implication des femmes.
Les articles de journaux de l’époque en sont la preuve. Une équipe de filles a été documentée dans le village de Goostrey, dans le Cheshire, en 1898. En 1912, une équipe mixte existait à Holmes Chapel.
La participation n’était alors pas très répandue. Mais c’était localement significatif. Cela s’est développé progressivement.
Certaines équipes étaient formées par d’anciens danseurs masculins issus de formations établies. D’autres se sont appuyés sur des professeurs de danse locaux possédant une plus grande expérience.
La Première Guerre mondiale a changé le paysage. La conscription et les pertes ont réduit le bassin de danseurs masculins disponibles. Le nombre d’équipes dirigées par des femmes a augmenté pendant et après la guerre. C’était une nécessité née d’une tragédie.
Adaptation et nouvelles formes
Les années 1920 et 1930 ont vu une augmentation du nombre d’équipes féminines et mixtes dans le nord-ouest de l’Angleterre. Les festivals du 1er mai et les événements communautaires ont créé une demande. Ils ont fourni des lieux publics pour les représentations.
Ces équipes ont adapté des danses plus anciennes. Ils ont innové de nouveaux chiffres. Ils ont créé de nouvelles formations.
À la fin du XXe siècle, la danse Morris féminine faisait partie intégrante du renouveau folklorique. Il s’est développé grâce à la réinterprétation des formes traditionnelles. Cela a également vu le développement de nouveaux styles.
Le recensement Morris de 2023 offre un contraste frappant avec la réalité du XIXe siècle. Les femmes représentent désormais plus de 50 % des participants au Royaume-Uni. La représentation des danseurs non binaires et de genre divers est en augmentation.
Des équipes comme Boss Morris et Molly No-Mates repoussent les limites. Ils intègrent des thèmes féministes et queer dans leurs styles de danse et leur présentation. Ils considèrent la performance comme moyen d’expression culturelle.
Ils perpétuent l’héritage du jeu de genre historiquement ancré dans la danse Molly. La tradition ne consiste plus seulement à préserver le passé. Il s’agit de redéfinir le présent.
Le rythme régional de l’anglais Morris
Vous pensez connaître Morris qui danse ? C’est probablement juste le style Cotswold. C’est celui avec les chemises blanches, les rubans et les clochettes qui claquent contre vos tibias. Originaire du Gloucestershire, de l’Oxfordshire et des comtés environnants, c’est la forme la plus reconnaissable. Les danseurs agitent des mouchoirs ou tapent des bâtons. Assez simple. Mais English Morris est une chose tentaculaire, désordonnée et dynamique. Ce n’est pas un monolithe. C’est un patchwork de styles régionaux, chacun avec ses propres pas, costumes et moteurs musicaux.
Regardez vers l’ouest et vous arrivez à Border Morris. Ce n’est pas poli. C’est vigoureux, théâtral. Pensez aux manteaux de chiffon, à la peinture pour le visage et peut-être à un déguisement complet. Développé dans les comtés frontaliers gallois, il s’appuie sur un mouvement audacieux et percussif. Les conflits de bâtons sont la norme ici. C’est le spectacle visuel d’abord, la danse ensuite.
Ensuite, il y a le Nord-Ouest. Cœurs industriels du Lancashire, du Grand Manchester et du Cheshire. Les danseurs portent ici des sabots à semelles de fer. Chaussures dures sur trottoir dur. Des costumes colorés, bien sûr, mais inspirés des costumes de festival du XIXe siècle et non de la pureté folklorique. Ils défilent dans les villes et villages. Guirlandes, bâtons courts avec des cloches ou écharpes tressées participent au chaos. Le rythme énergique de la musique crée une atmosphère festive et rythmée qui ressemble moins à un spectacle qu’à une célébration du travail.
Subversion et Printemps
Traversez la carte jusqu’aux Cambridgeshire Fens et les choses deviennent bizarres. Dans le bon sens. C’est Molly qui danse. Associé au Plough Monday – le premier lundi après l’Épiphanie, lorsque les ouvriers agricoles se sont finalement remis à labourer après les vacances d’hiver – il est enraciné dans une région marécageuse et basse de l’est de l’Angleterre.
Le déguisement est la clé. Le travestissement était courant. Historiquement, il était considéré comme brutal, humoristique ou même socialement subversif. Aujourd’hui, les réveils s’appuient sur cet esprit. Costumes créatifs. Expression de genre ludique. C’est un lien direct avec une époque où la danse était un moyen de s’opposer aux normes sociales rigides.
Percussions et lames
Le jeu de jambes change en fonction de votre position. Dans le sabotage anglais, développé dans les villes industrielles du nord, les ouvriers portaient de lourdes chaussures à semelles de bois. Tout est question de percussions rythmiques. Mais sautez de l’Atlantique jusqu’aux Appalaches, et le style change. Le sabot des Appalaches mélange les traditions anglaises, irlandaises et afro-américaines. C’est varié. C’est américain. Les racines sont semblables, mais les branches sont complètement divergentes.
Ensuite, il y a les épées. Vous ne voulez pas vous faire piquer.
La danse à l’épée longue, originaire du Yorkshire, utilise des lames rigides. Les équipes les tiennent et forment des motifs circulaires complexes. La finale ? Une formation d’étoile ou de verrou. Serré. Précis. Le rappeur Sword Dancing vient cependant du nord-est. Il utilise des lames en acier flexibles. Cette flexibilité permet des figures rapides et complexes. Des chiffres qui seraient impossibles avec des épées rigides. C’est une démonstration d’agilité et de confiance. Si vous manquez une étape, vous tenez une lame en acier flexible à quelques centimètres de votre nez.
Le symbolisme du printemps
Enfin, il y a les trucs saisonniers. Danses du mât de mai et du bâton. Il s’agit de performances de groupe centrées sur des accessoires symboliques. La danse du mât de mai est un incontournable des célébrations du 1er mai. Les danseurs tissent des rubans autour d’un poteau central selon des motifs élaborés. C’est coloré. C’est communal.
La danse sur bâton est différente. Enraciné dans les comtés du sud-ouest comme Somerset et Dorset. Les artistes portent de longs bâtons décorés sur leurs épaules. Des étapes chorégraphiées suivent. Il s’agit moins de tissage que d’équilibre et de formation.
Les styles changent. La musique change. Les risques varient. Vous ne regardez pas seulement une danse. Vous regardez l’histoire se déplacer à travers un champ.
