Morris-Tanz gehört zu den Dingen, die man entweder auswendig kennt oder die man nur in einem verschwommenen Touristenvideo gesehen hat. Es handelt sich um einen traditionellen englischen Volkstanz, der in Gruppen aufgeführt wird. Du kennst die Stimmung. Frühling. Frühsommerfeste. Maifeiertag. Jungs in weißen Hemden. Glocken klingelten an ihren Schienbeinen.
Es ist koordinierte Beinarbeit. Schritte. Hopfen. Sprünge. Und Live-Volksmusik.
In ländlichen Gemeinden war es lange Zeit reines Männerrevier. Aber das ändert sich schnell. Heute ist der Tanz für seine Vielfalt und wachsende Inklusivität bekannt. Es geht nicht mehr nur darum, die Vergangenheit zu bewahren. Es geht darum, wer es jetzt tanzen darf.
Stile und europäische Wurzeln
Es gibt nicht nur einen Morris-Tanz. Es gibt Dutzende Stile, jeder mit seiner eigenen DNA. Cotswold. Grenze. Nordwesten. Molly. Schwerttänze.
Jeder Stil ist von unterschiedlichen lokalen Geschichten geprägt. Die Bewegungen unterscheiden sich. Die Requisiten sind unterschiedlich. Die Musik ist unterschiedlich.
Und es ist nicht nur ein englisches Phänomen. Wissenschaftler weisen darauf hin, dass Morris-Tanz mit verwandten saisonalen oder dramatischen Formen wie dem Mummen verbunden ist. Das ist eine Wintertradition, bei der kostümierte Künstler kurze Volksstücke aufführen.
Schauen Sie über das Wasser. Vergleichbare Stock- und Ritualtänze gibt es in ganz Europa.
- Spaniens moriscas (oder moriscos )
- Westeuropas ball de bastons
- Rumäniens călușari
Diese geografische Verteilung ist bedeutsam. Einige Wissenschaftler vermuten, dass es ein gemeinsames altes europäisches Erbe widerspiegelt. Wir haben es mit einer kontinentweiten Tradition zu tun, die sich im Laufe der Jahrhunderte in verschiedene Zweige spaltete.
Die Kontroverse um die Gesichtsbemalung
Hier wird es chaotisch.
Einige Morris- und Molly-Tänzer, insbesondere in Border-Traditionen, haben historisch gesehen ihre Gesichter schwarz bemalt. Oder andere Formen der Verkleidung verwendet.
Warum?
Einige Künstler sagen, es ginge darum, bei Auftritten in der Öffentlichkeit nicht erkannt zu werden. Andere behaupten, es spiegele das Erscheinungsbild lokaler Arbeiter wie Bergarbeiter oder Schornsteinfeger wider. Oberflächlich betrachtet erscheinen diese Geschichten plausibel. Wissenschaftler weisen jedoch darauf hin, dass die Gesichtsschwärzung im 19. Jahrhundert immer weiter verbreitet wurde.
Dieses Timing ist wichtig.
Im 19. Jahrhundert entstanden Blackface-Minstrel-Shows. Diese rassistischen Karikaturen waren überall. Es ist wahrscheinlich, dass sie die Praxis beeinflusst haben. Frühere Theorien – etwa der Versuch, maurisch auszusehen oder „exotisch“ zu wirken – haben keine direkten Beweise. Im Hörsaal klingen sie gut. Sie halten einer Überprüfung nicht stand.
Heutzutage verwenden viele Teams stattdessen bunte Gesichtsbemalungen oder Masken.
Sie erkennen die beunruhigende Geschichte von Blackface an. Ihr Ziel ist es, ihre Auftritte integrativer zu gestalten.
Die Leistungsmechanik
Gruppen, sogenannte Seiten, führen Morris-Tänze normalerweise in Sätzen oder Reihen auf.
Die Choreographie ist anspruchsvoll. Es handelt sich dabei um koordinierte Schritte. Hopfen. Sprünge. Kapern. Eine Kapriole ist ein spielerischer Sprung.
Du brauchst Rhythmus. Sie benötigen eine Synchronisierung.
Tänzer tragen Glocken, die an ihre Schienbeine geschnallt sind. Weiße Kleidungsstücke. Farbige Schärpen. Bänder. Verzierte Hüte. Es ist ein visuelles Spektakel.
Requisiten kommen ins Spiel. Stöcke. Taschentücher. Schwerter. Sie prallen aufeinander. Sie winken. Stilisierte Muster füllen die Luft.
Live-Volksmusik prägt das Ganze. Melodeons. Geigen. Konzertinas.
Manchmal greifen Charaktere in den Kampf ein. Ein Narr. Ein Biest. Hobbypferde. Eulen. Fantasievolle Figuren.
Sie fesseln das Publikum. Humor einbringen. Unterbrechen Sie spielerisch den Auftritt.
Nehmen wir das Bohnensetzen. Es zeichnet sich durch paarweise aufeinandertreffende Stöcke und nachgeahmte Pflanzbewegungen aus. Es erinnert an landwirtschaftliche Themen. Saisonale Zyklen. Frühjahrspflanzung.
Es ist nicht nur ein Tanz. Es ist ein Ritual.
Die Geschichtslücke
Wir haben das Was abgedeckt. Das Wie. Die WHO.
Aber der geschichtliche Abschnitt des Quellenmaterials schneidet ab.
Das hinterlässt eine Lücke. Ein großes.
Wo haben sich eigentlich die ersten Morris-Mannschaften gebildet? Wer waren die ersten Tänzer? Was geschah mit dem Tanz während der Industriellen Revolution?
Der Text deutet darauf hin. Einfluss des 19. Jahrhunderts. Blackface-Minstrel-Shows. Der Übergang von Schwarz zu bunter Farbe.
Aber die tiefen Wurzeln? Die Ursprünge vor dem 19. Jahrhundert?
Dieser Teil fehlt.
Übrig bleibt also ein Tanz, der sich eindeutig weiterentwickelt. Vom ländlichen Ritual zum öffentlichen Spektakel. Von exklusiven Männergruppen bis hin zu vielfältigen, inklusiven Seiten.
Die Glocken läuten noch immer. Die Stöcke prallen immer noch aufeinander.
Aber der Kontext verändert sich. Schnell.
Wie lange dauert es, bis der „traditionelle“ Look völlig unkenntlich ist?
Oder
Es begann an den Höfen im England des 15. Jahrhunderts. Was als Elite-Unterhaltung begann, geriet schließlich in den Dreck dörflicher Traditionen. Die Etymologie ist unklar, aber die meisten Gelehrten verweisen auf morisco – das spanische Wort für „maurisch“. Als Tudor-Monarchen wie Heinrich VIII. und Elisabeth I. im 16. Jahrhundert den Thron bestiegen, war Morris-Tanz zu einem festen Bestandteil von Hofmasken und öffentlichen Festen geworden.
Die Tradition etablierte sich im 17. Jahrhundert tief im ländlichen Raum. Es war ein fester Bestandteil bei Feierlichkeiten zum 1. Mai und bei Großveranstaltungen. Die Gemeinden legten frische Binsen auf den Kirchenboden, um den Stein kalt und trocken zu halten. Tanz, Musik und Feiern folgten wie selbstverständlich.
Dann kam der Niedergang.
Im 18. und 19. Jahrhundert geriet die Kunstform in ländliche Vergessenheit. Die Urbanisierung veränderte das öffentliche Leben. Kulturelle Normen haben sich verschoben. Der Morris-Tanz war fast verschwunden.
Aber es ist nicht gestorben.
Die Schritte vor dem Vergessen retten
Die Wiederbelebung begann im frühen 20. Jahrhundert. Folkloristen und Enthusiasten gerieten in Panik wegen der verschwindenden Tradition. Sie versuchten, es zu bewahren und zu formalisieren, bevor es für immer verschwunden war.
Cecil Sharp war die zentrale Figur dieser Rettungsmission. Im Jahr 1899 beobachtete der Musiklehrer und Folklorist den Auftritt der Headington Quarry Morris Men in Oxfordshire. Er war beeindruckt von dem Spektakel. Er dokumentierte ihre Tänze. Er begann in ganz England Volkslieder und Tänze zu sammeln.
Sharp hat fast 5.000 Songs zusammengestellt. Er gründete 1911 die English Folk Dance Society. Seine Bemühungen prägten das frühe Folk-Revival.
Später wurde Sharp kritisiert. Ihm wurde selektives Sammeln vorgeworfen. Er marginalisierte Kollaborateure. So wurde beispielsweise die Suffragette Mary Neal beiseite geschoben. Aber seine Arbeit bewahrte die Traditionen, die das Rückgrat des modernen Morris-Tanzes bilden. Ohne sein Archiv wären die Schritte möglicherweise verloren gegangen.
Das männliche Monopol brechen
Morris-Tanz wird oft als eine von Männern dominierte Tradition wahrgenommen. Diese Wahrnehmung ist unvollständig. Frauen und Mädchen nehmen mindestens seit dem späten 19. Jahrhundert teil. Regionale Formen wie North West Morris sahen schon früh die Beteiligung von Frauen.
Den Beweis liefern Zeitungsberichte aus dieser Zeit. Im Jahr 1898 wurde im Dorf Goostrey in Cheshire eine Mädchenmannschaft dokumentiert. Bis 1912 existierte in Holmes Chapel eine gemischtgeschlechtliche Mannschaft.
Die Beteiligung war damals nicht weit verbreitet. Aber es war lokal bedeutsam. Es wuchs nach und nach.
Einige Teams wurden von ehemaligen männlichen Tänzern etablierter Vereine trainiert. Andere verließen sich auf lokale Tanzlehrer mit breiterer Erfahrung.
Der Erste Weltkrieg veränderte die Landschaft. Wehrpflicht und Verluste reduzierten den Pool verfügbarer männlicher Tänzer. Die Zahl der von Frauen geführten Teams wuchs während und nach dem Krieg. Es war eine aus einer Tragödie geborene Notwendigkeit.
Anpassung und neue Formen
In den 1920er und 1930er Jahren kam es im Nordwesten Englands zu einem Anstieg der Zahl weiblicher und gemischtgeschlechtlicher Mannschaften. Maifeiertage und Gemeinschaftsveranstaltungen sorgten für Nachfrage. Sie stellten öffentliche Aufführungsorte zur Verfügung.
Diese Teams adaptierten ältere Tänze. Sie haben neue Figuren erfunden. Sie schufen neue Formationen.
Im späten 20. Jahrhundert war der Morris-Tanz der Frauen ein wesentlicher Bestandteil des Folk-Revivals. Es erweiterte sich durch die Neuinterpretation traditioneller Formen. Es wurden auch neue Stile entwickelt.
Die Morris-Volkszählung 2023 bietet einen starken Kontrast zur Realität des 19. Jahrhunderts. Mittlerweile machen Frauen mehr als 50 Prozent der Teilnehmer im Vereinigten Königreich aus. Der Anteil nicht-binärer und geschlechtsspezifischer Tänzer wächst.
Teams wie Boss Morris und Molly No-Mates überschreiten Grenzen. Sie integrieren feministische und queere Themen in ihre Tanzstile und Präsentationen. Sie begreifen Leistung als Mittel des kulturellen Ausdrucks.
Sie führen das Erbe des Geschlechterspiels fort, das historisch im Molly-Tanz verankert ist. Bei der Tradition geht es nicht mehr nur um die Bewahrung der Vergangenheit. Es geht darum, die Gegenwart neu zu definieren.
Der regionale Rhythmus des englischen Morris
Glaubst du, du kennst Morris beim Tanzen? Das ist wahrscheinlich nur der Cotswold-Stil. Es ist das mit den weißen Hemden, Bändern und Glocken, die an deinen Schienbeinen klirren. Sie hat ihren Ursprung in Gloucestershire, Oxfordshire und den umliegenden Grafschaften und ist die bekannteste Form. Tänzer schwenken Taschentücher oder Steppstöcke. Ganz einfach. Aber English Morris ist ein weitläufiges, chaotisches und lebendiges Ding. Es ist kein Monolith. Es ist ein Flickenteppich regionaler Stile, jeder mit seinen eigenen Schritten, Kostümen und musikalischen Impulsen.
Wenn Sie nach Westen schauen, treffen Sie auf Border Morris. Das ist nicht höflich. Es ist kraftvoll, theatralisch. Denken Sie an Flickenmäntel, Gesichtsbemalung und vielleicht eine vollständige Verkleidung. Es wurde in den walisischen Grenzbezirken entwickelt und basiert auf kühnen, perkussiven Bewegungen. Stockschläge sind hier die Norm. Es ist zuerst ein visuelles Spektakel, dann Tanz.
Dann ist da noch der Nordwesten. Industrielle Kerngebiete von Lancashire, Greater Manchester und Cheshire. Die Tänzer tragen hier Holzschuhe mit Eisensohlen. Harte Schuhe auf hartem Asphalt. Sicherlich farbenfrohe Kostüme, aber inspiriert von der Festtagskleidung des 19. Jahrhunderts, nicht von volkstümlicher Reinheit. Sie ziehen durch Städte und Dörfer. Girlanden, kurze Stöcke mit Glöckchen oder geflochtene Schlingen werden Teil des Chaos. Der energische Takt der Musik schafft eine festliche, rhythmische Atmosphäre, die sich weniger wie ein Festumzug, sondern eher wie eine Feier der Arbeit anfühlt.
Subversion und Frühling
Überqueren Sie die Karte zu den Cambridgeshire Fens, und die Dinge werden seltsam. Auf eine gute Art und Weise. Hier tanzt Molly. In Verbindung mit dem Plough Monday – dem ersten Montag nach dem Dreikönigstag, an dem die Landarbeiter nach der Winterpause endlich wieder mit dem Pflügen begannen – hat er seine Wurzeln in einer sumpfigen, tief gelegenen Region im Osten Englands.
Verkleidung ist der Schlüssel. Cross-Dressing war weit verbreitet. Historisch gesehen galt es als grob, humorvoll oder sogar sozial subversiv. Heutzutage haben sich Erweckungen an diesen Geist angelehnt. Kreative Kostüme. Spielerischer Geschlechterausdruck. Es ist eine direkte Verbindung zu einer Zeit, in der der Tanz ein Mittel war, sich gegen starre gesellschaftliche Normen zu wehren.
Percussion und Blades
Die Beinarbeit ändert sich je nachdem, wo man steht. Im englischen Clog-Schritt, der in Industriestädten im Norden entwickelt wurde, trugen die Arbeiter schwere Schuhe mit Holzsohlen. Es dreht sich alles um rhythmische Percussion. Aber wenn man über den Atlantik nach Appalachia springt, ändert sich der Stil. Appalachen-Clogs vereinen englische, irische und afroamerikanische Traditionen. Es ist abwechslungsreich. Es ist amerikanisch. Die Wurzeln sind ähnlich, aber die Zweige sind völlig auseinandergegangen.
Dann sind da noch die Schwerter. Du willst nicht gepiesackt werden.
Beim Langschwerttanz aus Yorkshire werden starre Klingen verwendet. Teams halten sie und bilden komplizierte kreisförmige Muster. Das Finale? Eine Stern- oder Schlossformation. Eng. Präzise. Der Rapper-Schwerttanz kommt jedoch aus dem Nordosten. Es verwendet flexible Stahlklingen. Diese Flexibilität ermöglicht schnelle, komplexe Zahlen. Figuren, die mit starren Schwertern unmöglich wären. Es ist ein Zeichen von Agilität und Vertrauen. Wenn Sie einen Schritt verpassen, halten Sie eine flexible Stahlklinge ein paar Zentimeter von Ihrer Nase entfernt.
Die Symbolik des Frühlings
Schließlich gibt es noch die saisonalen Sachen. Maibaum- und Stabtänze. Hierbei handelt es sich um Gruppenaufführungen, bei denen symbolische Requisiten im Mittelpunkt stehen. Maibaumtanz ist ein fester Bestandteil der Feierlichkeiten zum 1. Mai. Tänzer weben in aufwendigen Mustern Bänder um einen zentralen Stab. Es ist bunt. Es ist gemeinschaftlich.
Stabtanz ist anders. Verwurzelt in südwestlichen Landkreisen wie Somerset und Dorset. Die Darsteller tragen lange, verzierte Stangen auf ihren Schultern. Es folgen choreografierte Schritte. Es geht weniger um das Weben als vielmehr um Balance und Formation.
Die Stile verändern sich. Die Musik ändert sich. Die Risiken variieren. Du schaust dir nicht nur einen Tanz an. Sie beobachten, wie sich die Geschichte über ein Feld bewegt.
