La danza Morris è una di quelle cose che conosci a memoria o che hai visto solo in un video turistico sfocato. È una danza popolare tradizionale inglese eseguita in gruppo. Conosci l’atmosfera. Primavera. Festival di inizio estate. Primo Maggio. Ragazzi in camicia bianca. Campane che risuonano sugli stinchi.
È un gioco di gambe coordinato. Passi. Luppolo. Salti. E musica folk dal vivo.
Per molto tempo è stato territorio esclusivamente maschile nelle comunità rurali. Ma le cose stanno cambiando rapidamente. Oggi la danza è riconosciuta per la sua diversità e la crescente inclusività. Non si tratta più solo di preservare il passato. Dipende da chi potrà ballarlo adesso.
Stili e radici europee
Non esiste una sola danza Morris. Esistono decine di stili, ognuno con il proprio DNA. Cotswold. Confine. Nord-ovest. Molly. Danze con la spada.
Ogni stile è modellato da storie locali distinte. Le mosse differiscono. Gli oggetti di scena differiscono. La musica è diversa.
E non è solo un fenomeno inglese. Gli studiosi sottolineano che la danza Morris è collegata a forme stagionali o drammatiche correlate come la mummia. Questa è una tradizione invernale in cui artisti in costume mettono in scena brevi spettacoli popolari.
Guarda oltre l’acqua. Danze rituali e con bastoncini comparabili compaiono in tutta Europa.
- moriscas (o moriscos ) spagnoli
- ball de bastons dell’Europa occidentale
- călușari della Romania
Questa distribuzione geografica è significativa. Alcuni studiosi suggeriscono che rifletta un’antica eredità europea condivisa. Stiamo osservando una tradizione continentale che si è divisa in rami distinti nel corso dei secoli.
La controversia sulla pittura per il viso
Qui è dove le cose si complicano.
Alcuni ballerini di Morris e Molly, specialmente nelle tradizioni di Border, hanno storicamente dipinto i loro volti di nero. O usato altre forme di travestimento.
Perché?
Alcuni artisti dicono che era per evitare di essere riconosciuti mentre si esibivano in pubblico. Altri sostengono che riflettesse l’aspetto dei lavoratori locali come i minatori di carbone o gli spazzacamini. Quelle storie sembrano plausibili in superficie. Ma gli studiosi sottolineano che l’annerimento del volto divenne più diffuso nel XIX secolo.
Quel tempismo è importante.
Il 19° secolo vide l’ascesa degli spettacoli di menestrelli dalla faccia nera. Quelle caricature razziste erano ovunque. È probabile che abbiano influenzato la pratica. Le teorie precedenti – come cercare di sembrare moresco o apparire “esotico” – mancano di prove dirette. Suonano bene in un’aula magna. Non reggono all’esame accurato.
Oggi, molte squadre utilizzano invece pitture colorate o maschere.
Stanno riconoscendo la preoccupante storia del Blackface. Stanno mirando a rendere le loro esibizioni più inclusive.
La meccanica della prestazione
I gruppi, chiamati lati, tipicamente eseguono danze Morris in set o linee.
La coreografia è impegnativa. Implica passaggi coordinati. Luppolo. Salti. Capperi. Un cappero è un salto giocoso.
Hai bisogno di ritmo. Hai bisogno di sincronizzazione.
I ballerini indossano campanelli legati agli stinchi. Indumenti bianchi. Fusciacche colorate. Nastri. Cappelli decorati. È uno spettacolo visivo.
Gli oggetti di scena entrano in gioco. Bastoni. Fazzoletti. Spade. Si scontrano. Salutano. Motivi stilizzati riempiono l’aria.
La musica folk dal vivo guida il tutto. Melodeoni. Violini. Concertine.
A volte i personaggi si uniscono alla mischia. Uno sciocco. Una bestia. Cavalli da hobby. Gufi. Figure fantasiose.
Coinvolgono il pubblico. Inietta umorismo. Interrompere scherzosamente la performance.
Prendiamo l’impostazione dei chicchi. È caratterizzato dallo scontro di bastoncini accoppiati e da movimenti di piantagione mimati. Evoca temi agricoli. Cicli stagionali. Piantagione primaverile.
Non è solo una danza. È un rituale.
Il divario storico
Abbiamo trattato il cosa. Il come. L’OMS.
Ma la sezione storica del materiale originale si interrompe.
Ciò lascia un vuoto. Uno grande.
Dove si formarono effettivamente i primi gruppi Morris? Chi furono i primi ballerini? Cosa è successo alla danza durante la Rivoluzione Industriale?
Il testo lo lascia intendere. Influenza del XIX secolo. Spettacoli di menestrelli Blackface. Il passaggio dal blackface alla vernice colorata.
Ma le radici profonde? Le origini pre-ottocentesche?
Manca quella parte.
Quindi ci rimane una danza che è chiaramente in evoluzione. Dal rito rurale allo spettacolo pubblico. Da gruppi maschili esclusivi a schieramenti diversi e inclusivi.
Le campane suonano ancora. I bastoncini continuano a scontrarsi.
Ma il contesto sta cambiando. Veloce.
Quanto tempo passerà prima che l’aspetto “tradizionale” sia completamente irriconoscibile?
Oppure
Cominciò nelle corti dell’Inghilterra del XV secolo. Quello che era iniziato come intrattenimento d’élite alla fine finì nel fango delle tradizioni del villaggio. L’etimologia è oscura, ma la maggior parte degli studiosi fa riferimento a morisco, la parola spagnola per “moresco”. Quando i monarchi Tudor come Enrico VIII ed Elisabetta I salirono al trono nel XVI secolo, la danza Morris era diventata un punto fermo delle maschere di corte e dello sfarzo pubblico.
La tradizione si stabilì profondamente nel suolo rurale nel XVII secolo. Era un appuntamento fisso nelle celebrazioni del Primo Maggio e negli eventi di punta. Le comunità posavano giunchi freschi sui pavimenti delle chiese per mantenere la pietra fredda e asciutta. Balli, musica e festeggiamenti seguirono naturalmente.
Poi è arrivato il declino.
I secoli XVIII e XIX videro la forma d’arte ritirarsi nell’oscurità rurale. L’urbanizzazione ha cambiato la vita pubblica. Le norme culturali sono cambiate. La danza di Morris è quasi scomparsa.
Ma non è morto.
Salvare i passaggi dall’oscurità
La rinascita iniziò all’inizio del XX secolo. Folkloristi e appassionati furono presi dal panico per la tradizione in via di estinzione. Hanno cercato di preservarlo e formalizzarlo prima che sparisse per sempre.
Cecil Sharp è stata la figura centrale di questa missione di salvataggio. Nel 1899, l’insegnante di musica e folclorista guardò gli Headington Quarry Morris Men esibirsi nell’Oxfordshire. Rimase colpito dallo spettacolo. Ha documentato le loro danze. Iniziò a collezionare canzoni e danze popolari in tutta l’Inghilterra.
Sharp ha compilato quasi 5.000 brani. Fondò la English Folk Dance Society nel 1911. I suoi sforzi diedero forma al primo revival popolare.
Sharp ha affrontato le critiche in seguito. È stato accusato di collezionismo selettivo. Ha emarginato i collaboratori. La suffragetta Mary Neal, ad esempio, fu messa da parte. Ma il suo lavoro ha preservato le tradizioni che costituiscono la spina dorsale della moderna danza Morris. Senza il suo archivio, i passi sarebbero andati perduti.
Rompere il monopolio maschile
La danza Morris è spesso percepita come una tradizione dominata dagli uomini. Questa percezione è incompleta. Donne e ragazze hanno partecipato almeno dalla fine del XIX secolo. Forme regionali come North West Morris hanno visto presto il coinvolgimento femminile.
I resoconti dei giornali dell’epoca ne sono la prova. Una squadra femminile è stata documentata nel villaggio di Goostrey nel Cheshire nel 1898. Nel 1912, esisteva una squadra di genere misto a Holmes Chapel.
Allora la partecipazione non era diffusa. Ma era significativo a livello locale. È cresciuto gradualmente.
Alcune squadre sono state addestrate da ex ballerini maschi di squadre affermate. Altri si affidavano a istruttori di danza locali con una più ampia esperienza.
La prima guerra mondiale cambiò il panorama. La coscrizione e le vittime hanno ridotto il pool di ballerini maschi disponibili. Il numero di squadre guidate da donne è cresciuto durante e dopo la guerra. Era una necessità nata dalla tragedia.
Adattamento e nuove forme
Gli anni ’20 e ’30 videro un’impennata delle squadre femminili e miste nel nord-ovest dell’Inghilterra. I festival del Primo Maggio e gli eventi comunitari hanno creato domanda. Fornivano luoghi pubblici per gli spettacoli.
Queste squadre hanno adattato i balli più vecchi. Hanno innovato nuove figure. Hanno creato nuove formazioni.
Verso la fine del XX secolo, la danza Morris femminile era parte integrante del revival popolare. Si è espanso attraverso la reinterpretazione delle forme tradizionali. Ha visto anche lo sviluppo di nuovi stili.
Il censimento Morris del 2023 offre un netto contrasto con la realtà del XIX secolo. Le donne ora costituiscono più del 50% dei partecipanti nel Regno Unito. La rappresentanza di ballerini non binari e di genere diverso è in crescita.
Squadre come Boss Morris e Molly No-Mates stanno spingendo oltre i confini. Integrano temi femministi e queer nei loro stili di danza e nelle loro presentazioni. Abbracciano la performance come mezzo di espressione culturale.
Continuano l’eredità del gioco di genere storicamente radicato nella danza Molly. La tradizione non riguarda più solo la conservazione del passato. Si tratta di ridefinire il presente.
Il ritmo regionale dell’inglese Morris
Pensi di conoscere Morris che balla? Probabilmente è solo lo stile Cotswold. È quello con le camicie bianche, i nastri e i campanelli che ti sbattono contro gli stinchi. Originario del Gloucestershire, dell’Oxfordshire e delle contee circostanti, è la forma più riconoscibile. I ballerini agitano fazzoletti o battono bastoncini. Abbastanza semplice. Ma l’inglese Morris è una cosa tentacolare, disordinata e vibrante. Non è un monolite. È un patchwork di stili regionali, ciascuno con i propri passi, costumi e driver musicali.
Guarda a ovest e incontrerai Border Morris. Questo non è educato. È vigoroso, teatrale. Pensa a cappotti di stracci, pittura per il viso e magari un travestimento completo. Sviluppato nelle contee di confine del Galles, si appoggia a movimenti audaci e percussivi. Lo scontro con i bastoncini è la norma qui. Innanzitutto è spettacolo visivo, poi danza.
Poi c’è il Nord Ovest. Il cuore industriale del Lancashire, della Grande Manchester e del Cheshire. I ballerini qui indossano zoccoli con suola di ferro. Scarpe dure su pavimentazione dura. Costumi colorati, certo, ma ispirati agli abiti da festa del XIX secolo, non alla purezza popolare. Sfilano per città e villaggi. Ghirlande, bastoncini con campanellini o fasce intrecciate diventano parte del caos. Il passo energico a tempo con la musica crea un’atmosfera festosa e ritmata che sembra meno uno spettacolo e più una celebrazione del lavoro.
Sovversione e Primavera
Attraversa la mappa fino alle Cambridgeshire Fens e le cose si fanno strane. In senso buono. Questa è Molly che balla. Associato al Plough Monday, il primo lunedì dopo l’Epifania, quando i lavoratori agricoli finalmente tornavano ad arare dopo la pausa invernale, affonda le sue radici in una regione paludosa e bassa dell’Inghilterra orientale.
Il travestimento è la chiave. Il travestitismo era comune. Storicamente, era considerato rozzo, divertente o addirittura socialmente sovversivo. Oggi, i revival si sono appoggiati a quello spirito. Costumi creativi. Espressione di genere giocosa. È un collegamento diretto a un’epoca in cui la danza era un modo per respingere le rigide norme sociali.
Percussioni e Lame
Il gioco di gambe cambia a seconda di dove ti trovi. Nel clog step inglese, sviluppato nelle città industriali del nord, i lavoratori indossavano pesanti scarpe con la suola di legno. È tutta una questione di percussioni ritmiche. Ma salta l’Atlantico verso gli Appalachi e lo stile cambia. Lo zoccolo degli Appalachi fonde le tradizioni inglese, irlandese e afroamericana. È vario. È americano. Le radici sono simili, ma i rami sono completamente divergenti.
Poi ci sono le spade. Non vuoi essere colpito.
La danza con la spada lunga, originaria dello Yorkshire, utilizza lame rigide. Le squadre li tengono e formano intricati schemi circolari. Il finale? Una formazione a stella o a lucchetto. Stretto. Preciso. Il rapper che balla con la spada, invece, viene dal nord-est. Utilizza lame flessibili in acciaio. Questa flessibilità consente cifre veloci e complesse. Figure che sarebbero impossibili con le spade rigide. È una dimostrazione di agilità e fiducia. Perdi un passaggio e avrai una lama d’acciaio flessibile a pochi centimetri dal tuo naso.
Simbolismo della primavera
Infine, ci sono le cose stagionali. Danze del palo di maggio e del bastone. Si tratta di spettacoli di gruppo incentrati su oggetti di scena simbolici. La danza dell’albero di maggio è un punto fermo delle celebrazioni del Primo Maggio. I ballerini intrecciano nastri attorno a un palo centrale secondo motivi elaborati. È colorato. È comunitario.
La danza del bastone è diversa. Radicato nelle contee del sud-ovest come Somerset e Dorset. Gli artisti portano sulle spalle lunghi pali decorati. Seguono i passi coreografici. Si tratta meno di tessitura e più di equilibrio e formazione.
Gli stili cambiano. La musica cambia. I rischi variano. Non stai solo guardando un ballo. Stai guardando la storia muoversi attraverso un campo.
