Jim Carrey è una forza della natura. O ami la sua energia maniacale o la trovi estenuante. Raramente c’è una via di mezzo. Ma una cosa è innegabile: ha costruito un’enorme filmografia che abbraccia commedia slapstick, profondità drammatica e narrazione sperimentale.
Se stai cercando di capire quali film di Jim Carrey valgono il tuo tempo, devi guardare oltre i numeri al botteghino. Devi guardare dove è andata la sua carriera dopo l’apice della sua era “Yes Man”. L’elenco seguente è classificato in base al punteggio IMDb. Inizia dal basso e prosegue fino ai suoi capolavori.
Entriamo nel merito.
Sonic il riccio (2020)
IMDb: 6,5
Sembra strano. Un comico noto per aver distrutto mobili in Ace Ventura: L’acchiappanimali, nel ruolo del cattivo in un film di videogiochi. Ma Jim Carrey mantiene il suo ruolo di Knuckles the Echidna. Porta la stessa comicità fisica nel ruolo, anche se è per lo più digitale. Il film non è un capolavoro. È divertente. E dimostra che Carrey non ha perso la sua capacità di intrattenere in un ambiente di successo.
Scherzo (2018)
IMDb: 7,9
Questa è una serie TV, non un film, ma deve essere in questo elenco. È senza dubbio il suo miglior lavoro di recitazione negli ultimi due decenni. Interpreta il signor Jim, un allegro conduttore televisivo per bambini. Poi suo figlio muore. Lo spettacolo decostruisce il suo personaggio pubblico. È buio. È divertente. È straziante. Se vuoi vedere Jim Carrey recitare senza maschera, è da qui che inizi.
Jim e Andy: Il grande oltre (2017)
IMDb: 7,7
Questo è un documentario. Contiene filmati dal set di Man on the Moon. Jim Carrey si cala così tanto nel ruolo di Andy Kaufman che inizia a confondere la propria identità con quella del personaggio. Il film cattura quella confusione psicologica. È affascinante vedere un attore metodico perdersi. Risponde alla domanda su quanto in profondità possa arrivare Carrey quando si impegna.
Il brutto lotto (2016)
IMDb: 5,3
Questa è una stranezza di fine carriera. Carrey interpreta un malato terminale che viene ricoverato in una casa di riposo distopica. È grintoso. È violento. Non è una commedia. Il punteggio di IMDb è basso, probabilmente perché il ritmo è lento e il tono è cupo. Ma vale la pena guardarlo se sei curioso della sua gamma drammatica. Dimostra che è disposto a correre rischi che non ripagano commercialmente.
Scemo e più scemo (2014)
IMDb: 5,6
Un seguito del classico del 1994. L’originale è un punto fermo della commedia. Questo cerca di riconquistare quella magia. Per lo più fallisce. L’umorismo sembra datato. La trama è sottile. Tuttavia, è ancora interessante vedere come è invecchiata la dinamica tra Carrey e Jeff Daniels. Sono più vecchi. Sono più lenti. Ma hanno ancora chimica. Non aspettarti lo stesso livello di risate.
La maschera (1994)
Sonic non è sempre stato il blu sfocato che conosciamo oggi. Ha iniziato come un semplice personaggio dei cartoni animati prima di esplodere nella cultura pop tradizionale. Il film live-action del 2020 cambia completamente il gioco. Non è solo un film per bambini. È un inseguimento caotico e ad alta velocità sugli schermi.
La trama è semplice. Sonic deve proteggere tre anelli misteriosi. La posta in gioco? Il mondo. O forse solo l’universo. Non importa. I cattivi stanno aspettando. Il dottor Robotnik è tornato. Ed è arrabbiato.
La performance maniacale di Jim Carrey
Jim Carrey non è sottile. Interpreta il Dr. Robotnik con energia maniacale. L’attore si appoggia all’assurdità. Crea un cattivo che è allo stesso tempo terrificante e ridicolmente incompetente. Non puoi distogliere lo sguardo.
La dinamica tra Sonic e Robotnik guida la narrazione. Uno è impulsivo e veloce. L’altro è calcolatore e crudele. Il loro scontro definisce il tono del film. È veloce. È rumoroso. Funziona.
Un’avventura per tutta la famiglia sorprendentemente solida
Jeff Fowler ha diretto questo. Ha mantenuto il ritmo serrato. Le sequenze d’azione sono nitide. L’umorismo arriva senza sentirsi forzato. È un film per famiglie, ma rispetta il suo pubblico. Gli effetti visivi reggono sorprendentemente bene.
James Marsden interpreta Tom Wachowski. È l’elemento radicato. Tika Sumpter aggiunge calore. Ma il cuore del film batte nella pelliccia blu. La personalità di Sonic traspare attraverso la CGI. È spiritoso. È solo. È riconoscibile.
Valutazione IMDb: 6,5/10
Cast:
-Jim Carrey
-James Marsden
– Tika Sumpter
Genere: Avventura, Commedia, Famiglia
Anno: 2020
Il film ha avuto successo perché ha abbracciato il suo materiale originale. Non ha cercato di essere troppo serio. Si è appoggiato allo sciocco. Ecco perché ha funzionato.
Scherzo (2018) – IMDb: 7.9
Jeff Picard vive nella menzogna. Sullo schermo, è Mr. Pickles, l’adorabile conduttore di burattini blu di A Way with Words. I bambini lo adorano. Le aziende lo adorano. È il volto dell’intrattenimento sano, avvolto in pelliccia sintetica e sorrisi esperti.
Fuori dallo schermo? È il caos.
In Kidding di Dave Holstein, Jim Carrey abbandona la sua comicità fisica e maniacale per qualcosa di più tranquillo. Qualcosa di più pesante. Interpreta Jeff, un uomo la cui facciata attentamente costruita si incrina sotto il peso del vero dolore. Quando la tragedia colpisce la sua famiglia, Jeff non urla. Non rompe il personaggio. Continua a sorridere mentre il mondo brucia intorno a lui.
È un corso di perfezionamento sulla repressione. I critici l’hanno salutata come una delle performance più sfumate di Carrey. Non perché sia andato alla grande. Ma perché ha trattenuto tutto. Lo spettacolo è durato due stagioni prima di svanire nel vuoto, lasciando i fan a chiedersi cosa avrebbe potuto essere.
- Genere: Commedia-Drammatico
- Creatore: Dave Holstein
- Cast: Jim Carrey, Frank Langella, Judy Greer
- Anno di uscita: 2018
- Punteggio IMDb: 7.9
Il contrasto tra la sua personalità pubblica e questo collasso interno è ciò che rende Kidding così inquietante. Carrey non si comporta da pazzo. Si comporta in modo rotto.
3. Jim e Andy: Il grande oltre (2017) – IMDb: 7.7
Perché l’immersione profonda di Jim Carrey in Andy Kaufman è una visione essenziale
Non è solo una featurette di making-of. È una finestra nella mente di uno degli attori metodici più intensi del cinema. Jim e Andy: The Great Beyond toglie lo smalto del film biografico del 1999 Man on the Moon per rivelare il processo grezzo e spesso caotico dietro di esso. Il regista Chris Smith ha trascorso anni raccogliendo quasi 100 ore di filmati dietro le quinte. Il risultato? Un documentario che non mostra solo cosa è successo sul set. Ti mostra perché è successo.
Il ritratto di Andy Kaufman da parte di Jim Carrey è leggendario. Ma questo film sostiene che la vera performance è stata la volontà di Carrey di scomparire completamente. Non ha interpretato solo Kaufman. Lo ha vissuto. Sul set, i confini tra attore e personaggio si sono sfumati fino a svanire. Vedi Carrey che si rifiuta di uscire dal personaggio anche per le interviste. Lo vedi interagire con co-protagonisti come Danny DeVito e Miloš Formman non come colleghi, ma come personaggi all’interno della surreale visione del mondo di Kaufman.
Per gli appassionati di performance art, questo è oro. Risponde alla domanda scottante su come un attore mantenga personaggi così fragili ed eccentrici per mesi. È stimolante. È disordinato. E per chiunque ami Jim Carrey, la visione è obbligatoria. La valutazione di IMDb di 7,7 riflette che non è solo una curiosità. È un documento di ossessione artistica.
Il brutto lotto: un esperimento di franchising
Passando dal metodo artistico della recitazione alla sperimentazione fantascientifica. The Bad Batch (2016) offre un diverso tipo di “bad batch” nel cinema. Con un punteggio IMDb di 5,3, non è universalmente acclamato. Ma rimane una nota a piè di pagina affascinante nell’universo di Star Wars. Il film segue un gruppo di soldati clone con modificazioni genetiche distinte, spesso problematiche. È una storia sull’identità e l’appartenenza a una galassia a cui non servono.
Sebbene manchi della rifinitura della saga principale, fornisce profondità di costruzione del mondo. Si chiede cosa succede ai fanti dopo il lancio dei titoli di coda. È un ingresso grintoso e atmosferico che premia la pazienza.
L’ambiente è desolante. Il Texas si è trasformato in una terra desolata che assomiglia più al letto di un lago prosciugato che a un parco statale. In questo paesaggio distopico, sono i cannibali a comandare lo spettacolo. È roba triste. Ma in mezzo al caos, The Bad Batch cerca di fondere il romanticismo con la violenza. È uno strano mix. Il film non rifugge dalla bruttezza del suo mondo.
Jason Momoa guida la carica. C’è anche Keanu Reeves. Portano il potere delle stelle. Ma Jim Carrey ruba la scena in un ruolo secondario. Potresti aspettarti che diventi grande. Non lo fa. Lui, invece, resta in secondo piano. La sua performance è sottile. Cattura ancora l’attenzione. Richiede attenzione senza urlare.
La regista è Ana Lily Amirpour. Gestisce bene il tono. Il film è uscito nel 2016. Ha un punteggio IMDb di 5,3. È mediocre. Ma la recitazione lo porta al di sopra della media. Carrey dimostra di poter fare molto di più che una semplice farsa. Porta profondità. Anche se la trama non sempre va a buon fine.
Il film fa molto affidamento sull’atmosfera e sui momenti forti dei personaggi per sostenere il suo peso narrativo.
Non è un film perfetto. La storia d’amore a volte sembra forzata. La violenza è gratuita. Ma la presenza di Carrey costituisce il punto fermo del film. Gli dà cuore. Senza di lui, potrebbe essere solo un altro grintoso capitolo di fantascienza. Con lui ha personalità.
Quella personalità si ripercuote sul suo prossimo grande flop.
5. Scemo e più scemo a (2014) – IMDb: 5.6
Perché The Mask (1994) definisce ancora l’eredità di Jim Carrey
Sono passati quasi tre decenni da quando Jim Carrey ha assunto la vernice verde ed è diventato Stanley Ipkiss, l’adorabile perdente che si trasforma nell’Uomo con la Maschera. Ma guardando indietro alla cronologia, ti rendi conto di quanto sia stato fondamentale The Mask (1994) per la sua traiettoria di carriera. Prima che Scemo e più scemo riunisse il duo per un giro nostalgico nel 2014, The Mask consacrò Carrey come una forza del botteghino capace di fondere lo slapstick con qualcosa di leggermente più oscuro.
Diretto da Chuck Russell, il film non è solo una commedia. È uno spettacolo visivo che ha ampliato i confini di ciò che la CGI poteva fare in quel momento. La trama è semplice: un timido impiegato di banca trova una maschera mistica del dio imbroglione nordico Loki. Indossalo e diventerai un alter ego potente, carismatico e spericolato da cartone animato. Usa questo nuovo personaggio per riconquistare la sua cotta, Tina Carlyle (interpretata da Cameron Diaz in uno dei suoi primi ruoli da protagonista) e sconfiggere il boss della mafia locale Dorian Tyrell.
“La maschera non lo rende una brava persona. Lo rende una persona migliore di quella che era, ma anche pericolosa.”
Perché regge? La chimica tra Carrey e Diaz è elettrica. Diaz non era solo un interesse amoroso; era una cantante jazz acuta e scettica che eguagliava l’energia di Ipkiss. Nel frattempo, Peter Riegert nei panni del tenente Millers e Peter Greene nei panni di Tyrell forniscono la posta in gioco che fa emergere l’assurdità. Il film ha ottenuto un 6,9 su IMDb, un numero rispettabile che riflette il suo status di classico di culto piuttosto che di blockbuster mainstream come Ace Ventura.
Se lo confronti con Scemo e più scemo, il tono è molto diverso. Scemo e più scemo si basa sull’imbarazzo di due uomini adulti che si comportano come bambini. The Mask si appoggia al surrealismo e alla fantasia. Si tratta meno di un fallimento riconoscibile e più di una realizzazione di desideri andata male. Gli effetti speciali, realizzati da Industrial Light & Magic, hanno conferito alla maschera una qualità fluida, quasi liquida, che sembrava rivoluzionaria nel 1994.
Guardandolo oggi, puoi apprezzare quanta pressione c’era su Carrey affinché funzionasse. Stava andando alla grande con Ace Ventura e The Mask ha dimostrato di poter ancorare un film di una major con un’identità visiva unica. Non si trattava solo della sua faccia contorta; si trattava di incarnare un personaggio completamente separato da se stesso.
La performance di Cameron Diaz è spesso trascurata a favore dell’energia maniacale di Carrey, ma lei tiene testa. L’arco del suo personaggio, da cameriera scettica a qualcuno che abbraccia il caos, è sottile ma efficace. E non dimentichiamo la colonna sonora. La colonna sonora di Mark Mothersbaugh è iconica, fondendo il jazz della big band con effetti sonori da cartone animato. Imposta il ritmo per ogni battuta finale e sequenza di inseguimenti.
È perfetto? No. Il terzo atto si trascina un po’, e parte dell’umorismo non è invecchiato con grazia. Ma l’idea centrale – che ognuno abbia una versione nascosta e più sicura di sé in attesa di liberarsi – risuona. Per i fan di Scemo e più scemo, The Mask offre un diverso tipo di commedia. Riguarda meno l’amicizia tra due idioti e altro ancora
Stanley Ipkiss diye bilinen sıradan bir banka memuru, hayatı boyunca kimseye dikkat çekmeyen bir adamdır. Ta ki o maskeyi takana kadar. Maske, onu o anki hâlinin tam tersine birine dönüştürür. Karizmatik, cesur ve sınırsız enerjili bir karaktere bürünür. Jim Carrey, è stato il protagonista di un film d’azione. Vücut dili ve yüz ifadeleriyle limitleri zorlar. Cameron Diaz ha deciso di dare un’occhiata alla sua dinamica bir zıt nokta ekler. Birlikte, unutulmaz bir fantastica aksiyon comemedi örneği çıkarlar karşınıza. Tür olarak comemedi, aksiyon ve fantastik unsurları bir arada taşır. Chuck Russell è uscito nel 1994 per la prima volta. IMDb può essere 6.9’dır. Oyuncu kadrosunda Peter Greene da yer alır.
Bu kadar enerjiyi sığdırmak kolay iş değildi. Carrey si esibisce, filmin omurgasını oluşturdu. I dettagli tecnici dell’arca della fotocamera, sulla plandaki absürt mizahı desteklemeye çalıştı. Ama asıl olay, izleyicinin Stanley’den maskeli kahramana geçişini izlemesiydi. Bu geçiş, sadece görsel bir değişim değil, psikolojik bir özgürleşme olarak da algılanıyordu.
Ace Ventura: Quando la natura chiama (1995) – IMDb: 6.4
Durante un film di base, Jim Carrey è stato il protagonista. Ancak bu sefer konu Afrika’nın vahşi doğasına kayıyor. Ace Ventura, hayvan davranışlarını inceleyen bir dedektif. Bu ikinci macera, ilkine göre daha geniş bir mekân sunuyor. IMDb può 6.4 ile hafif bir düşüş yaşasa da, franchise’ın devamı olarak önemini koruyor. Carrey’in o eşsiz fiziksel komedisi, Afrika’nın en tuhaf karakterleriyle buluşuyor.
Ace Ventura: Quando la natura chiama
Jim Carrey è un personaggio importante per Olarak Canland, il cui personaggio cinematografico africano è stato protagonista di Kendini Bulur. Steve Oedekerk ha deciso di farlo, Carrey non ha smesso di giocare a poker e ha fatto un piano di lavoro. Comedi e macera Sevenler için hafif ve eğlenceli bir saat geçirmeyi vaat ediyor.
Il film interpretato da Jim Carrey è interpretato da Ian McNeice e Simon Callow. È uscito nel 1995 un film, IMDb’den 6.4 puan alıyor.
8. Ace Ventura: L’acchiappanimali (1994) – IMDb: 6,9
Se stai cercando il modello dello slapstick di metà anni ’90, Ace Ventura: Pet Detective di Jim Carrey è il caso da manuale. La trama segue un detective straordinariamente eccentrico specializzato nella ricerca di animali domestici smarriti. Non è solo un lavoro. È una missione. La performance di Carrey ha elevato il materiale da semplici battute a pietra di paragone culturale. Quando le persone menzionano la commedia degli anni ’90, questo film di solito è in cima alla lista.
La storia ruota attorno a una balena mascotte scomparsa. La situazione è assurda. La posta in gioco è bassa, ma il caos è alto. La commedia fisica di Carrey porta avanti il film. Courteney Cox e Sean Young forniscono un forte supporto. Il regista Tom Shadyac ha mantenuto il ritmo serrato. Il risultato è un film che regge ancora. Il rating di IMDb si attesta a un solido 6,9. È accessibile. È divertente. È chiaramente della sua epoca.
Perché Ace Ventura definisce l’umorismo degli anni ’90
Il successo del film non è stato casuale. È stata una tempesta perfetta di tempismo e talento. Carrey ha portato un’energia maniacale che non era mai stata vista sullo schermo in questa scala. Il genere è un mix di commedia e detective noir, ma va avanti fino alla battuta finale.
- Tür: Komedi, Dedektif
- Yönetmen: Tom Shadyac
- Oyuncular: Jim Carrey, Courteney Cox, Sean Young
- Yıl: 1994
- IMDb: 6.9
La chimica tra il cast guida la narrazione. Non c’è alcuna ambiguità morale complessa qui. Solo puro intrattenimento. La sottotrama della mascotte della balena fornisce il mistero centrale. È sciocco. Funziona.
Cambio di marcia verso Gotham
Proprio accanto ad esso nella lista c’è un film che ha cercato di andare in una direzione completamente diversa. Batman Forever (1995) rappresenta un cambiamento di tono per il franchise. Il punteggio IMDb di 5,4 suggerisce un’accoglienza più controversa.
Il posto di Batman Forever nella storia del cinema
Questa voce segna un periodo di sperimentazione per il Cavaliere Oscuro. Dopo il successo di Batman Returns, lo studio ha voluto cambiare la formula. Il risultato è stato un film che si appoggiava fortemente allo spettacolo. Il punteggio scende notevolmente rispetto al suo predecessore. I fan del crudo realismo potrebbero trovare questa versione stridente. È in netto contrasto con l’approccio radicato di altre voci della serie. Le dinamiche del personaggio cambiano. I cattivi diventano più stilizzati. È un film del suo tempo, che riflette l’appetito della metà degli anni ’90 per film di successo più luminosi e colorati.
L’Enigmista di Jim Carrey in Batman Forever
Joel Schumacher ha diretto il terzo film dell’era di Tim Burton, Batman Forever, facendo cadere di qualche anno la bomba al botteghino di Batman & Robin. Val Kilmer prese il cappuccio. Tommy Lee Jones ha interpretato Due Facce. Jim Carrey ha rubato la scena nei panni dell’Enigmista.
Il film è noto per la sua estetica sgargiante. Colori al neon ovunque. Una colonna sonora di Elton John. La maggior parte dei critici lo odiarono al momento del rilascio. I fan avevano sentimenti contrastanti. Ma guardando indietro, le immagini risaltano. La performance di Carrey è ad alta energia. Maniaco. Porta un caos da cartone animato a Gotham.
Dettagli del film e accoglienza
Il film rientra nei generi thriller, fantasy e azione. Arrivò nelle sale nel 1995. La critica non fu gentile. IMDb ha optato per un modesto punteggio di 5,4. Alcuni fan sostengono che regga meglio al rewatch. Il tono camp è innegabile. Schumacher si è appoggiato allo spettacolo. I set erano sovradimensionati. I costumi erano luminosi. Era in netto contrasto con le ombre gotiche di Burton.
La dinamica tra Batman e l’Enigmista è diventata iconica. La consegna maniacale di Carrey ha definito il ruolo per molti. È stata una scelta rischiosa per il casting. Era appena uscito da Ace Ventura e The Mask. Potrebbe avere un peso drammatico? Sì e no. Ma la sua presenza era elettrica. La chimica con Kilmer a volte sembrava forzata. Eppure l’impatto visivo rimane forte. È una capsula del tempo degli eccessi dei blockbuster della metà degli anni ’90.
10. Scemo e più scemo (1994) – IMDb: 7.3
Jim Carrey e Jeff Daniels’ın basşrolünde olduğu Dumb and Dumber (Türkiye’de Salak ile Avanak adıyla) sadece bir comemedi değil, döneminin absürt mizahını özetleyen bir olaydı. Lloyd e Harry’nin aptalca yol macerası, Farrelly kardeşlerin imzasını taşıyarak kült statüsüne yükseldi. 1994 yapımı bu film, IMDb’de 7.3 gibi sağlam bir puana sahipken, Carrey’in kariyeri kısa süre sonra daha karanlık e tartışmalı sulara doğru yol aldı.
L’uomo dei cavi (1996) – IMDb: 6.1
Carrey’in Scemo e più scemo ‘daki saf, sevimli karakteri bir kenara bırakıldı. Nel 1996 è uscito The Cable Guy (Kablo Adam ), la sinfonia è stata pubblicata in anteprima. Yönetmenliğini Dennis Dugan’ın yaptığı bu film, Carrey’in comemedi makinesini bir psikopatın iç dünyasına kilitlemişti.
Filmdeki rolüyle Carrey, izleyicilere “bu kadar karanlık mi olur?” dedirtti. Kablo şirketi çalışanı Chip Douglas karakteri, yalnızlığından çıldırmış bir takıntılıya dönüşüyordu. Jim Carrey’nin fiziksel komedi yeteneği burada da göz alıcıydı; yüz ifadesizliği ve abartılı hareketleriyle bir comemedi yıldızı olmaktan çıkıp, rahatsız edici bir anti-kahramana dönüşüyordu.
IMDb puanının 6.1’de kalması, filmin eleştirmenler e izleyiciler arasında böldüğünü gösteriyordu. Bazıları için cesur bir denemedi, bazıları için ise Carrey’nin yeteneklerini boşa harcadığı bir hataydı. Yine de, Jim Carrey’nin en karanlık filmleri listelerinde bu başlık her zaman yer alırdı. Dönemin pop kültüründe yarattığı yankı e Carrey’in tipini tamamen dönüştürme cesareti, filmin tarih içindeki yerini korumasını sağladı. Peki ya hemen sonrasında gelen?
Bugiardo Bugiardo (1997) – IMDb: 6.9
Se The Cable Guy rappresentava la discesa nel caos di Jim Carrey, Liar Liar era il suo biglietto per i grandi campionati. Rilasciata nel 1997, questa commedia drammatica rimane una delle voci più riconoscibili nella filmografia dell’attore. La premessa è apparentemente semplice ma devastante per il nostro protagonista. Fletcher Reede (Carrey) è un potente avvocato di Los Angeles che vive la sua vita nutrendosi di convenienti falsità. Salta le date in tribunale. Dice a suo figlio che è malato quando in realtà vorrebbe solo dormire fino a tardi. Mente su tutto perché apparentemente la verità è un peso che si rifiuta di portare.
Poi arriva il suo compleanno.
Suo figlio Max, di sette anni, esprime un desiderio con una candelina magica. Il desiderio è specifico. Vuole che suo padre dica la verità per ventiquattr’ore. L’universo, apparentemente annoiato dall’esistenza di Fletcher, lo concede. Il problema? Fletcher non riesce a smettere di mentire. O meglio, fisicamente non può mentire. Ogni tentativo di ingannare si traduce in un’umiliante incapacità di dire il falso. Le conseguenze sono immediate e brutali.
I meccanismi della verità
Il film funziona secondo una regola fantasy di alto concetto: una maledizione letterale. La bocca di Fletcher diventa un traditore. Cerca di mentire al suo capo. Cerca di mentire alla sua ex moglie. Cerca di mentire a se stesso. Non funziona. La sceneggiatura si appoggia fortemente alla commedia fisica della repressione. Le espressioni facciali di Carrey fanno il lavoro pesante qui. Guardi i muscoli del suo viso contrarsi mentre combatte la maledizione. Si tratta meno di battute spiritose e più di disagio viscerale.
Nel 1997 il pubblico adorava guardare un astuto avvocato farsi scorticare dalla sua stessa onestà. Le scene in aula sono il pezzo forte. Il collega di Fletcher cerca di dargli delle battute. Le linee falliscono. Il giudice è sconcertato. L’avvocato avversario è confuso. È uno spettacolo di umiliazione pubblica mascherata da intrattenimento.
Il nucleo emotivo
Sotto lo slapstick si nasconde una storia sorprendentemente fondata sulla paternità. Max (Justin Cooper) non è solo un espediente della trama. È la bussola morale del film. Fletcher è stato assente così spesso che Max ha smesso di credere che suo padre lo ami. La maledizione costringe Fletcher ad affrontare ciò che ha perso. Non può uscire da questa situazione con il fascino. In realtà deve essere onesto.
Questo cambiamento cambia il modo in cui gli altri personaggi reagiscono a lui. La sua ex moglie, Audrey (Maura Tierney), vede un lato di Fletcher che pensava fosse falso. Non è falso questa volta. L’imbarazzo della vulnerabilità diventa il conflitto centrale. Può un uomo che ha costruito la sua carriera sull’inganno imparare ad apprezzare la verità? Il film suggerisce di sì, ma solo dopo che il danno è stato fatto.
Cast ed eredità
Jim Carrey offre quella che è spesso considerata la sua interpretazione più matura al di fuori dei ruoli drammatici. Bilancia l’energia maniacale di Ace Ventura con un pathos genuino. Matthew Broderick, se ricordi i suoi lavori precedenti, mantiene il ruolo dell’uomo etero in The Cable Guy, ma qui Carrey porta l’intero peso emotivo. Il cast di supporto, inclusa Amanda Donohoe nel ruolo dell’avvocato rivale, fornisce netti contrappunti al disfacimento di Fletcher.
Il film ha incassato oltre 300 milioni di dollari in tutto il mondo. Ha dimostrato che Carrey poteva
Liar Liar ‘daki Fletcher Reede karakteri, mesleği gereği hep yalan söyleyen bir avukattı. Ama bir gün, oğlunun doğum günü dileğiyle tüm dünyada yalan söyleyemez hale gelir. Jim Carrey, hai il tempo di imitare il ruolo di Kendini. Tom Shadyac yönettiği bu komedi, 1997 yılında sinemaseverlerle buluştu.
- Tür: Komedi
- Yönetmen: Tom Shadyac
- Oyuncular: Jim Carrey, Maura Tierney, Swoosie Kurtz
- Anno: 1997
- IMDb: 6.9
13. The Truman Show (1998) – IMDb: 8.1
Jim Carrey ha recitato in un’iconica serie di film su The Truman Show, ed è stato un vero e proprio attore protagonista. Peter Weir’in yönettiği bu bilim kurgu komedisi, bir adamın hayatının aslında buy bir televizyon şovunun parçası olduğunu fark etmesini konu alır. Truman Burbank, tepe evinde gökyüzünde bir duman görene kadar hayatının bir yapay olduğunu bilmez.
Carrey’in performance, fiziksel komediden duygusal derinliğe kadar geniş bir yelpazede. Il film del senatore Andrew Niccol è stato interpretato da Kaleme Alındı. The Truman Show IMDb’de 8.1 puanla listeki diğer komedi filmlerinin çok önüne geçti. Bu yüksek puan, filmin sadece bir eğlence değil, aynı zamanda medya ve gerçeklik üzerine bir sorgulama olduğunu gösteriyor.
- Tür: Bilim Kurgu / Komedi
- Yönetmen: Peter Weir
- Oyuncular: Jim Carrey, Laura Linney, Noah Emmerich
- Anno: 1998
- IMDb: 8.1
Bir ada kasabasında kusursuz, controllü bir hayat süren Truman ‘ın aslında devasa bir TV programının içinde yaşadığını keşfetmesi, dokunaklı bir dram-komedi öyküsü. Peter Weir yönetmenliğindeki film, özgür irade, gerçeklik algısı ve medya eleştirisi gibi temaları işleyerek sinema tarihinin en unutulmaz yapımlarından biri haline geldi. Jim Carrey ‘in kariyerindeki en etkileyici performanslardan biri olarak kabul ediliyor.
Tür olarak Komedi ve Dram altında sınıflandırılan yapım, 1998 yılında izleyiciyle buluştu. IMDb può essere la versione 8.1 di IMDb. Başrollerinde Carrey’i Laura Linney e Natascha McElhone destekliyor.
14. L’uomo sulla luna (1999) – IMDb: 7.4
Truman’ın özgürlük arayışından hemen sonra gelen bu film, tam tersi bir konsept sunuyor. Karizmatik e dahi bir comemedyen olan Andy Kaufman ‘ın hayatını anlatan Man on the Moon, 1999 yapımı bir biyografik drama. IMDb può pubblicare il film 7.4 di Jim Carrey, tutto qui. Bu sefer komediden ziyade, bir komedyeninin iç dünyasına, tuhaflıklarına ve sahne dışındaki gerçekliğine odaklanıyoruz.
Peter Weir ha controllato l’altındaki Truman Show e ha fatto il suo debutto. Qui, Milos Forman ‘ın yönetmenliğindeki Man on the Moon ‘da ise gerçeklik bulanık. Kaufman’ın kim olduğu, ne zaman taklit yaptığını, ne zaman orijinal olduğunu ayırt etmek imkansız hale geliyor. Carrey’in performansı, bu belirsizliği yansıtacak şekilde titizlikle kurgulanmış.
Il suo film iki de “gerçek nedir” sorusunu farklı açılarla sorguluyor. Truman Show ‘da sorgulanan şey dış dünya and media manipülasyonu. Man on the Moon ‘da ise sorgulanan, bir sanatçının kimliği ve izleyici ile kurduğu ilişki. Carrey, il suo personaggio è stato molto apprezzato dai suoi colleghi.
Jim Carrey non ha recitato solo in Man on the Moon. Ha abitato Andy Kaufman. Questa distinzione è importante. Il regista Milos Forman ha catturato qualcosa di crudo qui. Kaufman era un enigma da commedia. La sua vita era un’opera d’arte performativa andata storta o giusta, a seconda di chi chiedi. Carrey lo ha interpretato con una precisione inquietante. Non era una presa in giro. Era un’imitazione immersa nell’empatia.
Il cast sostiene questo delicato cammino sul filo del rasoio. Danny DeVito appare nei panni di Bob Zmuda, manager e migliore amico di Kaufman. Courtney Love interpreta Lynne Margulies. Fondano il surrealismo. Senza di loro, il film potrebbe scivolare nella pura astrazione. Invece resta legato alla realtà. Il film fonde commedia, biografia e dramma. È un mix disordinato. Ecco perché funziona.
La prestazione di Carrey rimane un punto di riferimento. Passa dalla farsa all’introspezione in un’unica scena. Il punteggio di IMDb di 7,4 riflette il suo status di culto. Non è la tazza di tè di tutti. Alcuni trovano irritanti i metodi di Kaufman. Il film non si sottrae al disagio. Ci si chiede perché guardiamo le persone fallire pubblicamente. Man on the Moon risponde mostrandoci l’umano dietro il bit.
Perché la commedia fisica di Jim Carrey definisce me, me stesso e Irene
Cambiamo marcia in Io, me stesso e Irene (2000). Il tono cambia drasticamente. Qui Carrey interpreta Charlie Baileygates. Un agente della Polizia di Stato con problemi di controllo degli impulsi. La premessa è semplice. L’inseguimento in bicicletta di Charlie porta alla rottura con la sua ragazza. Si trasferisce nel Rhode Island. Charlie la segue. Ne consegue il caos.
Il punteggio di IMDb scende a 6,6. I critici lo hanno definito stereotipato. I fan adoravano le gag fisiche. Il corpo di Carrey è il suo strumento. Si gira, cade e si contorce. È estenuante da guardare. Questo è il punto. Charlie è un uomo in guerra con se stesso. O meglio, in guerra con il proprio cervello.
Il film si basa sulla capacità di Carrey di essere patetico e simpatico allo stesso tempo. Non è affascinante come Kaufman. È disperato. Questa disperazione guida la trama. È un road movie travestito da commedia romantica. Ma il romanticismo è secondario rispetto alla commedia degli equivoci.
La performance di Carrey è più ampia qui. Meno sottile. Più esplosivo. Mette in mostra un aspetto diverso della sua gamma. Non sta cercando di essere reale. Sta cercando di essere divertente. E soprattutto ci riesce. Il cast di supporto gestisce bene l’assurdità. Ma il film appartiene a Carrey.
L’evoluzione del personaggio comico di Carrey
Guardare questi due film fianco a fianco rivela una traiettoria. Man on the Moon (1999) richiedeva moderazione. Carrey si trattenne. Ha lasciato parlare le stranezze di Kaufman. L’umorismo veniva dalla precisione. Dalla misteriosa valle dell’imitazione.
Me, Myself & Irene (2000) richiedevano l’eccesso. Carrey ha esagerato. L’umorismo è venuto dall’escalation. Dall’assoluta impossibilità delle situazioni. Un film è uno studio. L’altro è uno spettacolo.
Entrambi i film mettono in risalto l’etica del lavoro di Carrey. Non fa affidamento sulla CGI. Fa affidamento sulla propria fisicità. In Man on the Moon, studia la voce di Kaufman. Dentro
16. Bruce L’Onnipotente (2003) – IMDb: 6.7
Di nuovo Jim Carrey. Questa volta non sta combattendo una doppia personalità. Sta combattendo Dio. O almeno, ha il lavoro del ragazzo. Bruce Nolan è un reporter televisivo di Buffalo che non riesce a prendersi una pausa. Le sue storie vengono sepolte. Il suo capo lo prende in giro. E la sua ragazza, interpretata da Jennifer Aniston, perde la pazienza. Quindi Bruce guarda il cielo e urla. Incolpa l’Onnipotente per il pasticcio. E l’Onnipotente risponde. Non con un roveto ardente. Ma con un filo diretto. All’improvviso Bruce può fare qualsiasi cosa. Guarisci i malati. Spostare le montagne. Fai piovere nel deserto. È la fantasia di potere definitiva.
Ma non è quello che si aspettava.
La premessa di Bruce Almighty è semplice ma efficace. Un uomo ottiene poteri divini e si rende conto che essere responsabile della felicità di tutti gli altri è un incubo. Non può aggiustare il libero arbitrio delle persone. Non può fermare il crepacuore. Non può far funzionare l’amore per magia. Il film si appoggia fortemente alla commedia fisica di Carrey, ma pone anche una domanda che la maggior parte delle persone evita. Cosa faresti se non avessi conseguenze?
Il viaggio del potere
Carrey interpreta Bruce come un ragazzo stanco di perdere. È passivo nella sua vita normale. Quindi è attivo nel suo ruolo divino. Sistema la sua vita all’istante. Ottiene la promozione. Riprende la ragazza. Ottiene il rispetto. Ma la gioia non dura. Il film mostra che il potere senza connessione è vuoto. Bruce cerca di ingannare la morte. Cerca di controllare i risultati. Tutto crolla.
“Voglio vedere Dio. Voglio vedere l’uomo che gestisce questo spettacolo.”
Quella frase costituisce l’intero film. Bruce vuole risposte. Vuole capire la fonte del suo dolore. Ma la risposta che riceve non gli piace. L’Onnipotente, interpretato da Morgan Freeman, è calmo. Distante. Quasi divertito. Freeman non tiene un sermone. Dà un controllo della realtà.
Supporto per cast e ambientazione
Jennifer Aniston è la chiave qui. Non è solo un premio da vincere. Lei è il centro morale. Il viaggio di Bruce consiste nel diventare qualcuno degno di lei, non solo nel riaverla indietro. Chris Cooper appare come un reporter rivale. È l’antagonista. Ma è anche uno specchio. Mostra a Bruce cosa succede quando lasci che l’ego prenda il comando.
Anche la posizione conta. Buffalo fornisce uno sfondo grigio e banale. Contrasta con gli effetti luminosi e caotici dei poteri di Bruce. Senti il peso dell’ordinario. Poi vedi lo spettacolo. Lo spostamento visivo rafforza il tema. La vita è noiosa finché non cambi prospettiva. O fino a quando non fai saltare in aria un edificio per sbaglio.
Perché funziona
Bruce Almighty ha successo perché riesce a bilanciare lo sciocco con il sincero. Le buffonate di Carrey sono esagerate. Ma i battiti emotivi arrivano. Ti importa di Bruce. Vuoi che impari. Il film non predica. Lo dimostra. Mostrare è meglio che raccontare. Quando Bruce si rende conto che non può amare qualcuno che controlla, il messaggio rimane.
Ha un tono più leggero da Io, me e Irene. Meno buio. Più speranzoso. Ma entrambi i film trattano di identità. Chi siamo quando nessuno ci guarda? Chi siamo quando tutto è facile?
Il
Bruce Nolan (Jim Carrey) ha interpretato il ruolo di protagonista. New York’ta bir televisione istasyonunda çalışan, herkesin şanssız olduğunu düşündüğü, sabahın köründe alaycı haber bültenleri yapan biri. Her gün şikayet listesi uzayıp gidiyor. Ta ki bir gece, cehennemi bile argo kelimelerle doldurarak Tanrı’ya (Morgan Freeman) yalvarana kadar.
Cevap sorpresa. Bruce, bir dakika için evrenin tum gücünü devralır.
Düşün. Her istediğin olur. Hava durumu senin kontrolünde. Trafiği durdurabilirsin. Sevgilin Kate (Jennifer Aniston) ha una buona interpretazione. Şefin sürekli başını ağrıtan o küçük sorunlar çözüverir. Ilk basta harika. Paha biçilemez bir adrenalina. Ama güç tek başına bir hediye değil. Oh, bir sorumluluk. Bruce, Tanrı olmanın aslında ne kadar yorucu e karmaşık bir iş olduğunu kavramak zorunda kalır.
Tom Shadyac ha recitato nel film del 2003, sadece bir comemedi değil. Arkasında derin bir dram ve felsefi bir sorgulama yatar. Fantastico unsurlarla dolu olsa da, insan doğası ve mutsuzluk üzerine kurulu gerçekçi bir hikaye anlatır.
Bruce Almighti, izleyiciye şu soruyu sorar: Eğer her şeyi kontrol edebilseydin, gerçekten mutlu olur muydun?
Filmin kadrosu, Carrey’in komik yeteneğini en iyi şekilde ortaya koyuyor. Freeman ise sessiz, otoriter ve biraz da yorgun bir ilahi varlık olarak unutulmaz bir performans sergiliyor. Aniston è il classico, sevimli ama karmaşık karakteriyle filmi ayakta tutuyor.
IMDb può essere 6.7. Eleştirmenler tarafından karışık ama genel halk tarafından sevilen bir tablo çiziyor. Neden? Çünkü mükemmel değil. Ama duygusal.
Şimdi, hemen ardından gelen başka bir başyapıt.
17. L’eterno sole della mente immacolata (2004) – IMDb: 8.3
La gamma comica di Jim Carrey non è mai stata veramente messa alla prova fino a Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Michel Gondry non si è limitato a dirigere; ha stravolto la realtà. La trama è abbastanza semplice sulla carta. Joel Barish cancella la sua ex fidanzata Clementine. È una procedura medica. Ma l’esecuzione? Disordinato. Meravigliosamente disordinato.
L’elemento fantascientifico non riguarda le astronavi. Si tratta di preservazione emotiva. E fallendo. Kate Winslet interpreta Clementine con una acutezza che bilancia l’energia nervosa di Carrey. Kirsten Dunst contribuisce a creare un’atmosfera surreale. Questa non è una storia d’amore standard. È una decostruzione dell’amore e della memoria.
Perché questo dramma romantico appartiene alle migliori liste
I critici lo definiscono un capolavoro. I fan sono d’accordo. Ha un 8.3 su IMDb per un motivo. La miscela di generi funziona perché l’emozione sembra cruda. Non stai guardando una storia d’amore. Stai guardando le conseguenze di uno. Lo stile visivo supporta questo. Fotocamere portatili. Set surreali. Sembra un sogno che non riesci a ricordare.
- Genere: Drammatico, Romantico
- Direttore: Michel Gondry
- Cast: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst
- Anno di uscita: 2004
- Voto: 8,3/10 su IMDb
Allontanandoci dal cerebrale, approdiamo a un diverso tipo di oscurità. L’Accademia Oscura incontra la tragedia gotica.
Una serie di sfortunati eventi (2004) – IMDb: 6.8
Se Eternal Sunshine è un sogno febbrile, Una serie di sfortunati eventi è un caso irrisolto. Basato sui libri di Lemony Snicket. Il film scambia il monologo interno con l’oscurità visiva.
Gli orfani di Baudelaire. Violet, Klaus e Sunny. Perdono tutto nei primi dieci minuti. Fuoco. Orfanotrofio. Conte Olaf. La storia segue i loro tentativi di sopravvivere a un tutore che chiaramente non ha buone intenzioni.
Non funziona così come i libri. L’umorismo è più secco. Il ritmo si trascina a metà. Ma il design della produzione è sorprendente. Ogni cornice sembra un dipinto del XIX secolo. Solo i costumi valgono la visione.
- Genere: Avventura, Commedia, Drammatico
- Direttore: Barry Sonnenfeld
- Cast: Jim Carrey, Liam Aiken, Emily Browning
- Anno di uscita: 2004
- Voto: 6,8/10 su IMDb
Una serie di sfortunati eventi di Lemony Snicket è un film che si appoggia fortemente alle sue radici gotiche pur mantenendo un tocco comico. La storia segue tre fratelli orfani che vengono costantemente ostacolati dall’avido conte Olaf, interpretato da Jim Carrey. Non si tratta solo del dramma dell’orfanotrofio. Il film presenta anche Meryl Streep e Jude Law in ruoli secondari, aggiungendo peso al tono assurdo. Brad Silberling ha diretto il film del 2004, che fonde fantasia e umorismo oscuro. Ha una valutazione IMDb di 6,8.
19. Divertimento con Dick e Jane (2005) – IMDb: 6.1
Il crollo di Jim Carrey a metà degli anni 2000 è una tragedia ben documentata del casting di Hollywood. Dopo l’apice di Yes Man (2008), ha trascorso anni bloccato in uno strano purgatorio di flop e critiche negative. Fun With Dick & Jane si adatta perfettamente a quell’imbarazzante era di mezzo. È un remake di un film del 1977, ma invece del fascino bizzarro dell’originale, questa versione si appoggia fortemente all’energia maniacale di Carrey finché non crolla sotto il suo stesso peso.
La trama è dolorosamente prevedibile. Dick Harper (Carrey) lavora in aziende di alto livello. Viene licenziato per ragioni che non contano. Sua moglie Jane (Téa Leoni) è solidale ma altrettanto vulnerabile. Perdono la casa. Perdono i loro risparmi. La sceneggiatura suggerisce che si dedicano al crimine per sopravvivere. È una satira sulla disparità di ricchezza, certo. Ma la satira sembra debole. Dean Parisot dirige con mano ferma che non riesce a salvare il materiale. Alec Baldwin interpreta un uomo d’affari inquietante. Téa Leoni fa del suo meglio con dialoghi limitati. Angie Harmon appare come un interesse amoroso, aggiungendosi al disordine.
IMDb gli dà un 6.1. È generoso. L’umorismo si basa sul fatto che Carrey esagera. Non atterra. Il commento sociale è troppo schietto per essere intelligente. Lo guardi chiedendoti se Carrey fosse pagato troppo per preoccuparsene.
Il numero 23 (2007) – IMDb: 6.4
Poi arriva Il numero 23. Un thriller psicologico dalle sfumature horror. Jim Carrey interpreta Walter Sparrow. Proprietario di un negozio di animali. Un padre di famiglia. Il tipo di persona che falcia il prato la domenica. Trova un manoscritto. È scritto da un autore morto. Il libro parla di un uomo ossessionato dal numero 23.
Walter inizia a leggerlo. Non può fermarsi. Il numero appare ovunque. 23 dollari. 23 secondi. 23 anni. È uno schema. Oppure un delirio. Carrey cambia la sua solita pelle comica qui. Interpreta Walter nei panni di un uomo che si districa in tempo reale. La prestazione è fisica. Sudorazione. Agitare. La telecamera resta vicina. Troppo vicino.
Il regista Joel Schumacher avvolge il film in una nebbia di paranoia. La scenografia è claustrofobica. Le ombre si allungano troppo. La partitura è un ronzio basso che non si ferma mai. Dovrebbe essere spaventoso. Per lo più sembra estenuante. Carrey offre una prestazione impegnata. Non ci sono risate. Nessun ammiccamento alla telecamera. Solo paura.
IMDb lo valuta 6.4. È meglio accolto di Fun With Dick & Jane. Ma è buono? Il mistero è debole. Le spiegazioni sono vaghe. Il finale cerca di essere profondo. Sembra proprio un buco nella trama travestito da filosofia.
La carriera di Carrey in questo periodo fu un gioco d’ipotesi. I fan volevano lo slapstick. Gli studi volevano il dramma. Ha provato entrambi. Per lo più è atterrato nel mezzo. Scomodo. Sfocato.
“Non recita. Reagisce a un copione che non sa cosa vuole.”
Il contrasto tra i due film è netto. Una è una satira sociale fallita. L’altro è un horror psicologico fallito. Entrambi fanno affidamento sul fatto che Carrey porti il carico emotivo. Nessuno dei due fornisce
The Number 23 di Schumacher non è esattamente un piacere per il pubblico. Trascina Walter Sparrow nella tana del coniglio dove ogni coincidenza sembra una maledizione. Carrey abbandona la stupidità della sua faccia di gomma per qualcosa di molto più inquietante. Non interpreta solo un papà che legge un libro strano. Si sta sgretolando. La numerologia si fa pesante. Il mistero si fa più oscuro. E alla fine ti chiedi se il numero sia sempre stato lì o se la sua mente lo abbia inventato solo per punirlo. È prima un thriller, poi un veicolo di Carrey.
Ma riavvolgiamo il nastro. Prima dell’ossessione, prima della paranoia, c’era l’era della mente aperta.
Perché “Yes Man” ha ancora successo in modo diverso nel 2024
IMDb: 6.8. Sulla carta, è un punteggio solido. Non è un capolavoro. Non è nemmeno vicino. Ma cattura un momento specifico della cultura pop in cui l’ottimismo non era solo una vibrazione; era una prescrizione.
Diretto da Peyton Reed, che in seguito si sarebbe occupato del franchise di Ant-Man, Yes Man (2008) sembra sorprendentemente radicato per un film di Carrey. La premessa è semplice. Quasi dolorosamente. Un uomo che dice “no” a tutto, alla fine dice “sì” a tutto.
Jim Carrey interpreta Carl Allen. È bloccato. La sua vita è una serie di porte chiuse. Non viene promosso. Non fa amicizia. Non prova nemmeno il sushi bar in fondo alla strada perché è troppo occupato a sentirsi infelice. Il catalizzatore? Un seminario di auto-aiuto in cui gli viene detto di dire sì a ogni opportunità per un anno.
Sembra un trucco. E per il primo atto, lo è. Carrey rimbalza da una situazione assurda all’altra. Accetta un lavoro come tassista. Impara a pilotare un aereo. Esce con donne che conosce a malapena. Le immagini sono luminose. Il ritmo è scattante. È pura evasione.
Ma ecco la cosa che la gente dimentica quando parla di questo film. Non si tratta solo di dire sì. Riguarda cosa succede quando la novità svanisce.
Il film non chiede solo se dovresti dire di sì. Ti chiede se sei pronto per il caos che segue.
Virginia Madsen interpreta Allison, una donna che anche lei dice di sì. La loro storia d’amore non è un turbine. È disordinato. È reale. Madsen porta un calore che fonda l’energia maniacale di Carrey. Senza di lei, Yes Man è solo una serie di battute. Con lei, è una storia di connessione.
Logan Lerman appare come il figlio di Carl. La relazione tra padre e figlio è l’ancora emotiva. Carl è stato assente. Non fisicamente, ma emotivamente. Dire sì lo costringe ad essere presente. Lo costringe a presentarsi.
Il cast di supporto è forte. Bradley Cooper ha un ruolo memorabile e breve nei panni di un collega che diventa un amico improbabile. John Michael Higgins fornisce il sollievo comico nei panni del capo di Carl. È una macchina ben oliata.
I critici erano divisi. Alcuni lo definivano superficiale. Altri lo hanno definito necessario. Ma il pubblico lo ha adorato. Ha fatto ridere la gente. Ha fatto sentire qualcosa alle persone.
In un decennio definito dal cinismo, Yes Man
Yes Man (2008) di Jim Carrey è un caso di studio nel caos di dire “sì” quando l’impostazione predefinita è “no”. Carl (Carrey) è bloccato in una routine, chiudendo costantemente le persone fino a quando non frequenta un seminario di auto-aiuto che impone una politica affermativa 24 ore su 24, 7 giorni su 7. I risultati sono comici ma disordinati. Bradley Cooper e Zooey Deschanel appaiono in ruoli secondari, aggiungendosi al mix di commedia romantica. Diretto da Peyton Reed. Ha ottenuto un 6,8 su IMDb. Il tema è semplice: la positività apre le porte, anche se non sai cosa c’è dietro.
Perché i Pinguini di Mr. Popper hanno fallito con la critica ma hanno trovato casa nelle famiglie
Se stai cercando il seguito del 2011 di quell’ondata di commedie familiari di medio livello, Mr. I Pinguini di Popper è quello che è passato inosservato. Il punteggio di IMDb si attesta a un modesto 6,0. Non ha battuto i record al botteghino né vinto premi. Ma ha un fascino specifico che piace a bambini e genitori stanchi dei piatti da supereroi ad alto rischio.
La trama segue Tom Popper (Jim Carrey), un architetto di successo ma emotivamente distante. Vive in un attico sterile a New York City. Apprezza l’ordine. Odia il disordine. Poi il padre da cui si era allontanato muore e gli lascia qualcosa di inaspettato. Non soldi. Non proprietà. Sette pinguini.
Questo non è un documentario. Questi non sono uccelli qualunque. Sono grandi. Sono bagnati. Sono costosi da nutrire. E si moltiplicano.
Il caos della fauna selvatica urbana in un appartamento di lusso
La premessa è assurda in base alla progettazione. Come fa un potente uomo d’affari di Manhattan a gestire una colonia di pinguini? Non lo sa. Questo è lo scherzo. Carrey interpreta l’uomo etero con le buffonate degli uccelli. La sua frustrazione è il motore del film.
I pinguini scappano. Esplorano la città. Causano piccoli disastri. Interagiscono con i turisti. Vengono addirittura arrestati. Una scena li coinvolge mentre viaggiano in metropolitana. Sembra ridicolo. È stato girato con veri pinguini e miglioramenti CGI. Gli uccelli sono carini. La CGI è nella media. Il risultato è un mix che funziona abbastanza bene per il suo pubblico target.
Perché il controllo della temperatura è diventato un punto focale della trama
Una delle principali fonti di conflitto è il caldo. L’appartamento di Popper è mantenuto a una temperatura precisa e fresca. I pinguini hanno bisogno di freddo. La città è calda. I pinguini sono a disagio. Quindi scappano.
Questo crea una sequenza di inseguimenti per le strade di New York. Non è un film d’azione. È un inseguimento farsesco. Popper corre dietro ai suoi uccelli. La gente fissa. La polizia viene coinvolta. L’umorismo deriva dal contrasto tra l’abbigliamento formale di Popper e il caos scivoloso e ondeggiante dei suoi nuovi “figli”.
Il nucleo emotivo: perché i pinguini hanno insegnato a Popper a connettersi
Sotto il pasticcio di piume c’è la storia di un padre e un figlio. Il rapporto di Popper con suo padre era teso. Suo padre era eccentrico. Amava gli uccelli più di suo figlio. Popper se ne risentì. Ha costruito una vita di fredda logica per contrastare il calore di suo padre.
I pinguini lo costringono a cambiare. Deve prendersi cura di loro. Deve essere paziente. Deve sporcarsi. In tal modo, si riconnette con l’eredità di suo padre. Lui
23. Il Majestik (2001) – IMDb: 6.9
Jim Carrey’in kariyerindeki en ilginç dönemeçlerden biri kesinlikle The Majestik (Türkçe adıyla The Majestik ya da The Majestic ). Nel 2001 è uscito il film Carrey’i komedi maskesinin altına gömüp, aslında derinlikli bir dramın içine sokuyor. Carla Gugino e Ophelia Lovibond ’un da yer aldığı Mr. Popur’s Penguins ‘teki gibi bu film di Carrey’in yeteneklerini farklı bir ışıkla gösteriyor. Mark Waters è stato protagonista del film di commedia The Majestik Ron Underwood.
- Tür: Dram, Komedi, Romantik
- Yönetmen: Ron Underwood
- Oyuncular: Jim Carrey, Martin Landau, Laura Linney
- Yıl: 2001
- IMDb: 6.9
Il Maestoso
Parliamo un secondo di The Majestic. Non è il solito veicolo di Jim Carrey. Certo, è lì, ma non sta facendo la commedia maniacale e sconvolgente che ti aspetti. Invece, interpreta Pete McKay, uno sceneggiatore che prende un colpo alla testa in un incidente d’auto. Si sveglia nella California degli anni ’50 senza memoria. Pensa di essere un meccanico locale di nome Luke. Lo compra il Comune. Il teatro locale – il Majestic, ovviamente – diventa il suo santuario.
Diretto da Frank Darabont, il film si appoggia fortemente alla nostalgia. È ambientato proprio nel bel mezzo della Paura Rossa. Il maccartismo incombe. La città è piccola, unita e diffidente nei confronti degli estranei. McCarthy è un cattivo, non solo un concetto politico. La storia d’amore con il personaggio di Laurie Holden aggiunge peso. Martin Landau ruba le scene nei panni dello scontroso proprietario del teatro. È un dramma. È romantico. Ma soprattutto è una questione di identità. Cosa succede quando ti ricostruisci da zero?
IMDb si trova a un solido 6,9. È un cult per un motivo. L’atmosfera è densa. La storia è umana.
Canto di Natale (2009)
Poi abbiamo A Christmas Carol di Robert Zemeckis. Rilasciato nel 2009. Utilizza la motion capture. Acquisizione di movimenti pesanti. Jim Carrey interpreta Scrooge. Ma non solo Scrooge. Interpreta anche i tre fantasmi. Il giovane Paperone. Il vecchio Paperone. Marley. L’uomo interpreta quattro ruoli distinti in un film. La CGI è… beh, è del 2009. Sembra inquietante. Alcuni lo definiscono inquietante. Altri lo chiamano rivoluzionario.
La storia rimane fedele a Dickens. Ebenezer Scrooge è un avaro. Odia il Natale. Odia le persone. Il fantasma del Natale passato gli mostra la sua giovinezza solitaria. Il fantasma del regalo di Natale gli mostra i Cratchits. Il fantasma del Natale che deve ancora venire gli mostra la sua morte non compianta. Arco classico.
La performance di Carrey è selvaggia. Cambia completamente i toni tra i personaggi. Il giovane Scrooge è vulnerabile. Il vecchio Scrooge è crudele. Marley è terrificante. È una vetrina di gamma. Inizialmente il film ha avuto un successo al botteghino. I critici erano contrastanti. Ma è cresciuto sulle persone. È visivamente sorprendente. Anche se l’animazione invecchia male.
IMDb lo valuta a 6,8. Vicino a Il Majestic. Ma l’atmosfera è totalmente diversa. Uno è un caloroso abbraccio. L’altro è un freddo incubo digitale che in qualche modo diventa commovente.
Il capolavoro del motion capture che ha definito l’era delle vacanze
Non era solo un film. Era uno spettacolo. Nel 2009, Hollywood guardò con stupore mentre Robert Zemeckis spingeva i confini di ciò che le immagini generate al computer potevano effettivamente fare. Avevamo già visto film d’animazione. Avevamo già visto adattamenti live-action di classici. Ma fondere i due con la tecnologia di performance capture? Quella era tutta un’altra cosa. Il risultato è stato una rivisitazione vibrante, leggermente inquietante e innegabilmente efficace di A Christmas Carol che occupa ancora un posto speciale nella storia del cinema natalizio.
Jim Carrey è al centro di questa tempesta. Ma non il Jim Carrey che conosci da Ace Ventura o Liar Liar. Questa è stata una performance contenuta ed emotivamente cruda, sepolta sotto strati di pelle digitale. Carrey non ha interpretato solo Ebenezer Scrooge. Ha interpretato più ruoli utilizzando la stessa tecnologia di motion capture. Il giovane Paperone. Il fantasma del Natale passato. Il fantasma del Natale che deve ancora venire. Ogni versione richiedeva una fisicità diversa, un peso emotivo diverso e Carrey li ha realizzati tutti. È stato un tour de force che molti critici inizialmente hanno sottovalutato ma alla fine hanno elogiato.
“Carrey offre la migliore performance della sua carriera, ancorando lo spettacolo con emozioni umane autentiche.”
Il cast di supporto era ugualmente accatastato. Gary Oldman ha assunto il ruolo di Bob Cratchit e, in una svolta che ancora sciocca gli spettatori per la prima volta, del fantasma del regalo di Natale. Colin Firth ha doppiato il fantasma del Natale futuro. Le loro performance vocali hanno fornito la spina dorsale emotiva per le immagini. Senza la loro gravità, il film sarebbe potuto scivolare in puro spettacolo. Con loro è diventata una storia.
Perché era importante? Perché ha dimostrato che l’animazione non era solo per bambini. Non era solo per le fiabe. Potrebbe gestire le questioni morali più oscure e complesse della letteratura. La novella di Dickens parla di redenzione. Riguarda il peso del rimpianto. E farlo attraverso la CGI significava che dovevi trasmettere microespressioni che gli attori umani avrebbero potuto avere difficoltà a riprodurre senza sembrare forzati. Carrey ce l’ha fatta.
All’inizio l’accoglienza del film è stata mista. Alcuni puristi ne odiavano l’aspetto. L’effetto “Uncanny Valley” era reale. I personaggi sembravano troppo umani, ma non del tutto. Ma col passare del tempo, l’estetica è invecchiata meglio del previsto. È stilizzato. È audace. Non cerca di assomigliare alla vita reale. Sembra un dipinto in movimento.
Oggi, quando si parla dei migliori adattamenti animati della letteratura classica, spesso viene fuori A Christmas Carol (2009). Non è solo un viaggio nostalgico nel 2009. È una testimonianza di ciò che accade quando la tecnologia è al servizio della storia, e non il contrario. L’eredità di questo film non sono solo i suoi numeri al botteghino. È nel modo in cui ha ampliato il vocabolario dell’animazione.
Quindi, se non l’hai visto da quando è uscito per la prima volta nei cinema, torna indietro. Guardalo di nuovo. Nota i dettagli. Nota come cambiano gli occhi di Carrey tra i diversi Paperoni. È ancora magico.
