Jim Carrey es una fuerza de la naturaleza. O amas su energía maníaca o la encuentras agotadora. Rara vez hay un término medio. Pero una cosa es innegable: ha creado una filmografía enorme que abarca comedia slapstick, profundidad dramática y narración experimental.
Si estás tratando de descubrir qué películas de Jim Carrey valen la pena, debes mirar más allá de los números de taquilla. Es necesario observar hacia dónde fue su carrera después del pico de su era de “Sí, hombre”. La siguiente lista está clasificada según la puntuación de IMDb. Comienza desde abajo y avanza hasta sus obras maestras.
Entremos en ello.
Sonic el erizo (2020)
IMDB: 6,5
Suena raro. Un comediante conocido por destruir muebles en Ace Ventura: Pet Detective interpretando a un villano en una película de videojuegos. Pero Jim Carrey se mantiene firme como Knuckles the Echidna. Aporta esa misma comedia física al papel, aunque sea mayoritariamente digital. La película no es una obra maestra. Es divertido. Y demuestra que Carrey no ha perdido su capacidad de entretener en un escenario de gran éxito.
Es broma (2018)
IMDB: 7,9
Esta es una serie de televisión, no una película, pero debe estar en esta lista. Podría decirse que es su mejor trabajo actoral en las últimas dos décadas. Interpreta al Sr. Jim, un alegre presentador de televisión infantil. Luego su hijo muere. El programa deconstruye su personalidad pública. Está oscuro. Es gracioso. Es desgarrador. Si quieres ver a Jim Carrey actuando sin la máscara, aquí es donde debes empezar.
Jim y Andy: El gran más allá (2017)
IMDB: 7,7
Este es un documental. Presenta imágenes del set de Man on the Moon. Jim Carrey se mete tanto en el papel de Andy Kaufman que empieza a confundir su propia identidad con la del personaje. La película captura esa confusión psicológica. Es fascinante ver a un actor de método perderse. Responde a la pregunta de hasta qué punto puede llegar Carrey cuando se compromete.
La mala hornada (2016)
IMDB: 5.3
Esta es una rareza al final de su carrera. Carrey interpreta a un hombre con una enfermedad terminal que se interna en una casa de retiro distópica. Es arenoso. Es violento. No es una comedia. La puntuación de IMDb es baja, probablemente porque el ritmo es lento y el tono sombrío. Pero vale la pena verlo si tienes curiosidad por su alcance dramático. Demuestra que está dispuesto a asumir riesgos que no dan resultados comerciales.
Tontos y más tontos hasta (2014)
IMDB: 5.6
Una secuela del clásico de 1994. El original es un elemento básico de la comedia. Éste intenta recuperar esa magia. En su mayoría falla. El humor parece anticuado. La trama es delgada. Sin embargo, sigue siendo interesante ver cómo ha envejecido la dinámica entre Carrey y Jeff Daniels. Son mayores. Son más lentos. Pero todavía tienen química. Simplemente no esperes el mismo nivel de risas.
La máscara (1994)
Sonic no siempre fue la mancha azul que conocemos hoy. Comenzó como un simple personaje de dibujos animados antes de irrumpir en la cultura pop dominante. La película de acción real de 2020 cambia las reglas del juego por completo. No es sólo una película para niños. Es una persecución caótica y de alta velocidad a través de pantallas.
La trama es sencilla. Sonic necesita proteger tres anillos misteriosos. ¿Lo que está en juego? El mundo. O tal vez sólo el universo. No importa. Los villanos están esperando. El Dr. Robotnik ha vuelto. Y está enojado.
La actuación maníaca de Jim Carrey
Jim Carrey no es sutil. Interpreta al Dr. Robotnik con energía maníaca. El actor se inclina hacia el absurdo. Crea un villano que es a la vez aterrador y ridículamente incompetente. No puedes apartar la mirada.
La dinámica entre Sonic y Robotnik impulsa la narrativa. Uno es impulsivo y rápido. El otro es calculador y cruel. Su choque define el tono de la película. Es rápido. Es ruidoso. Funciona.
Una aventura familiar sorprendentemente sólida
Jeff Fowler dirigió este. Mantuvo el ritmo firme. Las secuencias de acción son nítidas. El humor llega sin sentirse forzado. Es una película familiar, pero respeta a su público. Los efectos visuales se mantienen sorprendentemente bien.
James Marsden interpreta a Tom Wachowski. Él es el elemento fundamentado. Tika Sumpter añade calidez. Pero el corazón de la película late en el pelaje azul. La personalidad de Sonic brilla a través del CGI. Es ingenioso. Está solo. Es identificable.
Calificación IMDb: 6.5/10
Elenco:
-Jim Carrey
-James Marsden
-Tika Sumpter
Género: Aventura, Comedia, Familia
Año: 2020
La película tuvo éxito porque adoptó su material original. No intentó ser demasiado serio. Se inclinó hacia lo tonto. Por eso funcionó.
Es broma (2018) – IMDb: 7.9
Jeff Picard vive una mentira. En la pantalla, él es el Sr. Pickles, el adorable presentador de marionetas azules de A Way with Words. Los niños lo adoran. Las corporaciones lo aman. Es el rostro del entretenimiento sano, envuelto en pieles sintéticas y sonrisas practicadas.
¿Fuera de la pantalla? Es un caos.
En Kidding de Dave Holstein, Jim Carrey cambia su comedia física maníaca por algo más tranquilo. Algo más pesado. Interpreta a Jeff, un hombre cuya fachada cuidadosamente construida se resquebraja bajo el peso del dolor real. Cuando la tragedia golpea a su familia, Jeff no grita. No rompe el carácter. Sigue sonriendo mientras el mundo arde a su alrededor.
Es una clase magistral sobre represión. Los críticos la aclamaron como una de las actuaciones más matizadas de Carrey. No porque se hizo grande. Sino porque se contuvo todo. El programa duró dos temporadas antes de desaparecer en el vacío, dejando a los fanáticos preguntándose qué pudo haber sido.
- Género: Comedia-Drama
- Creador: Dave Holstein
- Elenco: Jim Carrey, Frank Langella, Judy Greer
- Año de lanzamiento: 2018
- Puntuación IMDb: 7,9
El contraste entre su personalidad pública y este colapso interno es lo que hace que Kidding sea tan inquietante. Carrey no está actuando como un loco. Está actuando destrozado.
3. Jim y Andy: El gran más allá (2017) – IMDb: 7.7
Por qué es esencial ver la inmersión profunda de Jim Carrey en Andy Kaufman
No es sólo un reportaje sobre cómo se hizo. Es una ventana a la mente de uno de los actores de método más intensos del cine. Jim and Andy: The Great Beyond le quita el brillo a la película biográfica de 1999 Man on the Moon para revelar el proceso crudo, a menudo caótico, detrás de él. El director Chris Smith pasó años recopilando casi 100 horas de metraje detrás de escena. ¿El resultado? Un documental que no solo te muestra lo que pasó en el set. Te muestra por qué sucedió.
La interpretación de Jim Carrey de Andy Kaufman es legendaria. Pero esta película sostiene que la verdadera actuación fue la voluntad de Carrey de desaparecer por completo. No sólo interpretó a Kaufman. Él lo vivió. En el set, las líneas entre actor y personaje se difuminaron hasta desaparecer. Ves a Carrey negándose a romper el personaje incluso en las entrevistas. Lo ves interactuando con coprotagonistas como Danny DeVito y Miloš Formman no como colegas, sino como personajes dentro de la propia visión surrealista del mundo de Kaufman.
Para los fanáticos del arte escénico, esto es oro. Responde a la pregunta candente de cómo un actor mantiene personajes tan frágiles y excéntricos durante meses. Es inspirador. Es complicado. Y para cualquiera que ame a Jim Carrey, es obligatorio verlo. La calificación de IMDb de 7,7 refleja que no es sólo una curiosidad. Es un documento de obsesión artística.
El lote malo: un experimento de franquicia
Pasar del método de actuación de alto nivel artístico a la experimentación de ciencia ficción. The Bad Batch (2016) ofrece un tipo diferente de “mala hornada” en el cine. Con una puntuación de IMDb de 5,3, no es universalmente aclamado. Pero sigue siendo una nota a pie de página fascinante en el universo de Star Wars. La película sigue a un grupo de soldados clon con modificaciones genéticas distintas y a menudo problemáticas. Es una historia sobre la identidad y la pertenencia a una galaxia que no les sirve de nada.
Si bien carece del brillo de la saga principal, proporciona profundidad en la construcción del mundo. Pregunta qué pasa con los soldados de infantería después de que pasan los créditos. Es una entrada valiente y atmosférica que recompensa la paciencia.
El escenario es sombrío. Texas se ha convertido en un páramo que parece más el lecho de un lago seco que un parque estatal. En este paisaje distópico, los caníbales dirigen el espectáculo. Es algo sombrío. Pero en medio del caos, The Bad Batch intenta combinar el romance con la violencia. Es una mezcla extraña. La película no rehuye la fealdad de su mundo.
Jason Momoa lidera la carga. Keanu Reeves también está ahí. Aportan poder de estrella. Pero Jim Carrey se roba el show en un papel secundario. Se podría esperar que se hiciera grande. Él no lo hace. En cambio, permanece en un segundo plano. Su actuación es sutil. Todavía llama la atención. Exige atención sin gritar.
La directora es Ana Lily Amirpour. Ella maneja bien el tono. La película se estrenó en 2016. Tiene una puntuación de IMDb de 5,3. Eso es mediocre. Pero la actuación la eleva por encima del promedio. Carrey demuestra que puede hacer más que solo payasadas. Aporta profundidad. Incluso si la trama no siempre aterriza.
La película se basa en gran medida en la atmósfera y en los momentos fuertes de los personajes para llevar su peso narrativo.
No es una película perfecta. El romance se siente forzado por momentos. La violencia es gratuita. Pero la presencia de Carrey ancla la película. Le da corazón. Sin él, podría ser simplemente otra valiente entrada de ciencia ficción. Con él tiene personalidad.
Esa personalidad se traslada a su próximo gran fracaso.
5. Tontos y más tontos hasta (2014) – IMDb: 5.6
Por qué la máscara (1994) todavía define el legado de Jim Carrey
Han pasado casi tres décadas desde que Jim Carrey entró en la pintura verde y se convirtió en Stanley Ipkiss, el adorable perdedor que se transforma en el Hombre de la Máscara. Pero mirando hacia atrás en la línea de tiempo, te das cuenta de lo fundamental que fue La máscara (1994) para la trayectoria de su carrera. Antes de que Dumb and Dumber to reuniera al dúo nuevamente para un viaje nostálgico en 2014, The Mask estableció a Carrey como una fuerza de taquilla capaz de combinar la payasada con algo ligeramente más oscuro.
Dirigida por Chuck Russell, la película no es sólo una comedia. Es un espectáculo visual que traspasó los límites de lo que CGI podía hacer en ese momento. La trama es sencilla: un tímido empleado de banco encuentra una máscara mística del dios embaucador nórdico Loki. Úselo y se convertirá en un alter ego caricaturescamente poderoso, carismático e imprudente. Utiliza esta nueva personalidad para recuperar a la persona que le gusta, Tina Carlyle (interpretada por Cameron Diaz en uno de sus primeros papeles destacados), y derrotar al jefe de la mafia local Dorian Tyrell.
“La máscara no lo convierte en una buena persona. Lo convierte en una persona mejor de lo que era, pero también peligrosa”.
¿Por qué aguanta? La química entre Carrey y Díaz es eléctrica. Díaz no era sólo un interés amoroso; era una cantante de jazz aguda y escéptica que igualaba la energía de Ipkiss. Mientras tanto, Peter Riegert como el teniente Millers y Peter Greene como Tyrell aportan lo que está en juego y hacen que lo absurdo destaque. La película obtuvo una puntuación de 6,9 en IMDb, una cifra respetable que refleja su condición de clásico de culto en lugar de un éxito de taquilla convencional como Ace Ventura.
Si lo comparas con Dos tontos muy tontos, el tono es muy diferente. Dos tontos muy tontos se basa en la torpeza de dos hombres adultos que actúan como niños. La Máscara se inclina hacia el surrealismo y la fantasía. Se trata menos de fracasos identificables y más de cumplimiento de deseos que salió mal. Los efectos especiales, realizados por Industrial Light & Magic, dieron a la máscara una cualidad fluida, casi líquida, que parecía innovadora en 1994.
Al verlo hoy, puedes apreciar cuánta presión hubo sobre Carrey para que esto funcionara. Estaba en lo alto de Ace Ventura y La Máscara demostró que podía anclar una película de estudio importante con una identidad visual única. No se trataba sólo de que su rostro se contrajera; se trataba de encarnar a un personaje completamente separado de él mismo.
La actuación de Cameron Diaz a menudo se pasa por alto en favor de la energía maníaca de Carrey, pero ella se mantiene firme. Su personaje, desde una camarera escéptica hasta alguien que abraza el caos, es sutil pero efectivo. Y no olvidemos la banda sonora. La partitura de Mark Mothersbaugh es icónica y combina jazz de big band con efectos de sonido caricaturescos. Establece el ritmo de cada remate y secuencia de persecución.
¿Es perfecto? No. El tercer acto se prolonga un poco y parte del humor no ha envejecido con gracia. Pero la idea central: que todo el mundo tiene una versión oculta y más segura de sí mismo esperando liberarse, resuena. Para los fanáticos de Dos tontos muy tontos, La Máscara ofrece un tipo diferente de comedia. Se trata menos de la amistad entre dos idiotas y más.
Stanley Ipkiss diye bilinen sıradan bir banka memuru, hayatı boyunca kimseye dikkat çekmeyen bir adamdır. Ta ki o maskeyi takana kadar. Maske, onu o anki hâlinin tam tersine birine dönüştürür. Karizmatik, cesur ve sınırsız energjili bir karaktere bürünür. Jim Carrey, su protagonista favorito. Vücut dili ve yüz ifadeleriyle limitleri zorlar. Cameron Diaz’ın çekiciliği de bu dinamiğe harika bir zıt nokta ekler. Birlikte, unutulmaz bir fantastik aksiyon komedi örneği çıkarlar karşınıza. Tür olarak komedi, aksiyon and fantastik unsurları bir arada taşır. Chuck Russell nació en 1994 y es una vizyona girdi. IMDb dura 6,9 minutos. Oyuncu kadrosunda Peter Greene da yer alır.
Bu kadar energjiyi sığdırmak kolay iş değildi. Carrey’in performansı, filmin omurgasını oluşturdu. Los detalles técnicos de la cámara fotográfica, en el plano absürt mizahı desteklemeye çalıştı. Ama asıl olay, izleyicinin Stanley’den maskeli kahramana geçişini izlemesiydi. Bu geçiş, sadece görsel bir değişim değil, psikolojik bir özgürleşme olarak da algılanıyordu.
Ace Ventura: Cuando la naturaleza llama (1995) – IMDb: 6.4
Bir önceki filmin başarısının gölgesinde, Jim Carrey yine başrolde. Ancak bu sefer konu Afrika’nın vahşi doğasına kayıyor. Ace Ventura, hayvan davranışlarını inceleyen bir dedektif. Bu ikinci macera, ilkine göre daha geniş bir mekân sunuyor. IMDb puanı 6.4 ile hafif bir düşüş yaşasa da, franquicia’ın devamı olarak önemini koruyor. Carrey’in o eşsiz fiziksel komedisi, Afrika’nın y tuhaf karakterleriyle buluşuyor.
Ace Ventura: Cuando la naturaleza llama
Jim Carrey’in hayvan dektifi olarak canlandırdığı karakter, ikinci filminde Afrika’nın kızgın topraklarında kendini bulur. Steve Oedekerk’in yönettiği bu yapım, Carrey’nin abartılı fiziksel komedisini egzotik bir arka planla birleştiriyor. Komedi ve macera sieteler için hafif ve eğlenceli bir saat geçirmeyi vaat ediyor.
El actor de cine Jim Carrey y su pareja Ian McNeice y Simon Callow son sus compañeros. Película de 1995, IMDb’den 6.4 puan alıyor.
8. Ace Ventura: Detective de mascotas (1994) – IMDb: 6.9
Si está buscando el modelo de las payasadas de mediados de los 90, Ace Ventura: Pet Detective de Jim Carrey es el caso del libro de texto. La trama sigue a un detective singularmente excéntrico que se especializa en encontrar mascotas perdidas. No es sólo un trabajo. Es una misión. La actuación de Carrey elevó el material de simples chistes a una piedra de toque cultural. Cuando la gente menciona comedia de los 90, esta película suele estar en la parte superior de la lista.
La historia gira en torno a una ballena mascota desaparecida. La situación es absurda. Hay poco en juego, pero el caos es mucho. La comedia física de Carrey lleva la película. Courteney Cox y Sean Young brindan un gran apoyo. El director Tom Shadyac mantuvo el ritmo. El resultado es una película que todavía se mantiene. La calificación de IMDb se sitúa en un sólido 6,9. Es accesible. Es divertido. Es claramente de su época.
Por qué Ace Ventura define el humor de los 90
El éxito de la película no fue accidental. Fue una tormenta perfecta de sincronización y talento. Carrey aportó una energía maníaca que no se había visto en la pantalla en esta escala. El género es una mezcla de comedia y detective negro, pero va directo hasta que llega el remate.
- Tür: Komedi, Dedektif
- Yönetmen: Tom Shadyac
- Oyuncular: Jim Carrey, Courteney Cox, Sean Young
- Año: 1994
- IMDb: 6.9
La química entre el elenco impulsa la narrativa. No hay aquí ninguna ambigüedad moral compleja. Puro entretenimiento. La trama secundaria de la mascota de la ballena proporciona el misterio central. Es una tontería. Funciona.
Cambiando de marcha hacia Gotham
Justo al lado de la lista hay una película que intentó ir en una dirección completamente diferente. Batman Forever (1995) representa un cambio de tono para la franquicia. La puntuación de IMDb de 5,4 sugiere una recepción más divisiva.
El lugar de Batman Forever en la historia del cine
Esta entrada marca un período de experimentación para el Caballero de la Noche. Tras el éxito de Batman Returns, el estudio quiso cambiar la fórmula. El resultado fue una película que se inclinaba fuertemente hacia el espectáculo. La puntuación baja significativamente en comparación con su predecesor. Los fanáticos del realismo crudo pueden encontrar esta versión discordante. Es un marcado contraste con el enfoque fundamentado de otras entradas de la serie. La dinámica del personaje cambia. Los villanos se vuelven más estilizados. Es una película de su época, que refleja el apetito de mediados de los 90 por éxitos de taquilla más brillantes y coloridos.
El Acertijo de Jim Carrey en Batman Forever
Joel Schumacher dirigió la tercera entrada de la era de Tim Burton, Batman Forever, dejando caer la bomba de taquilla de Batman & Robin por unos años. Val Kilmer se puso la capucha. Tommy Lee Jones interpretó a Dos Caras. Jim Carrey se robó el show como Riddler.
La película es conocida por su estética llamativa. Colores neón por todas partes. Una banda sonora de Elton John. La mayoría de los críticos lo odiaron en su lanzamiento. Los fanáticos tenían sentimientos encontrados. Pero mirando hacia atrás, las imágenes destacan. La actuación de Carrey es llena de energía. Maníaco. Trae un caos caricaturesco a Gotham.
Detalles de la película y recepción
La película se clasifica en los géneros de suspenso, fantasía y acción. Llegó a los cines en 1995. La crítica no fue amable. IMDb se conformó con una modesta calificación de 5,4. Algunos fanáticos argumentan que se mantiene mejor al volver a verlo. El tono campista es innegable. Schumacher se inclinó hacia el espectáculo. Los decorados eran de gran tamaño. Los disfraces eran brillantes. Era un marcado contraste con las sombras góticas de Burton.
La dinámica entre Batman y Riddler se volvió icónica. La entrega maníaca de Carrey definió el papel para muchos. Fue una elección de reparto arriesgada. Acababa de salir de Ace Ventura y La Máscara. ¿Podría tener un peso dramático? Sí y no. Pero su presencia era eléctrica. La química con Kilmer se sintió forzada por momentos. Sin embargo, el impacto visual sigue siendo fuerte. Es una cápsula del tiempo del exceso de los éxitos de taquilla de mediados de los 90.
10. Tontos muy tontos (1994) – IMDb: 7.3
Jim Carrey y Jeff Daniels’ın başrolünde olduğu Dumb and Dumber (Türkiye’de Salak ile Avanak adıyla) sadece bir komedi değil, döneminin absürt mizahını özetleyen bir olaydı. Lloyd y Harry’nin aptalca yol macerası, Farrelly kardeşlerin imzasını taşıyarak kült statüsüne yükseldi. Película de 1994, IMDb’de 7.3 gibi sağlam bir puana sahipken, Carrey’in kariyeri kısa süre sonra daha karanlık ve tartışmalı sulara doğru yol aldı.
El chico del cable (1996) – IMDb: 6.1
Carrey’in Dos tontos muy tontos ‘daki saf, sevimli karakteri bir kenara bırakıldı. 1996 publicado The Cable Guy (Kablo Adam ), sinematografik bir intikam gibiydi. Yönetmenliğini Dennis Dugan’ın yaptığı bu film, Carrey’in komedi makinesini bir psikopatın iç dünyasına kilitlemişti.
Filmdeki rolüyle Carrey, izleyicilere “bu kadar karanlık mı olur?” dedirtti. Kablo şirketi çalışanı Chip Douglas karakteri, yalnızlığından çıldırmış bir takıntılıya dönüşüyordu. Jim Carrey’nin fiziksel komedi stilleneği burada da göz alıcıydı; yüz ifadesizliği ve abartılı hareketleriyle bir komedi yıldızı olmaktan çıkıp, rahatsız edici bir anti-kahramana dönüşüyordu.
IMDb puanının 6.1’de kalması, filmin eleştirmenler e izleyiciler arasında böldüğünü gösteriyordu. Bazıları için cesur bir denemedi, bazıları için ise Carrey’nin Yeteneklerini boşa harcadığı bir hataydı. Yine de, Jim Carrey’nin en karanlık filmleri listelerinde bu başlık her zaman yer alırdı. Dönemin pop kültüründe yarattığı yankı y Carrey’in tipini tamamen dönüştürme cesareti, filmin tarih içindeki yerini korumasını sağladı. ¿Peki ya hemen sonrasında gelen?
Mentiroso Mentiroso (1997) – IMDb: 6.9
Si The Cable Guy fue el descenso al caos de Jim Carrey, Liar Liar fue su boleto a las grandes ligas. Estrenada en 1997, esta comedia dramática sigue siendo una de las entradas más reconocibles en la filmografía del actor. La premisa es engañosamente simple pero devastadora para nuestro protagonista. Fletcher Reede (Carrey) es un poderoso abogado de Los Ángeles que vive su vida a base de convenientes falsedades. Se salta las citas en la corte. Le dice a su hijo que está enfermo cuando en realidad sólo quiere dormir hasta tarde. Miente sobre todo porque aparentemente la verdad es una carga que se niega a llevar.
Entonces llega su cumpleaños.
Su hijo Max, de siete años, pide un deseo en una vela mágica de cumpleaños. El deseo es específico. Quiere que su padre diga la verdad durante veinticuatro horas. El universo, aparentemente aburrido de la existencia de Fletcher, se lo concede. ¿El truco? Fletcher no puede dejar de mentir. O mejor dicho, físicamente no puede mentir. Todo intento de engañar resulta en una humillante incapacidad para decir falsedades. Las consecuencias son inmediatas y brutales.
La mecánica de la verdad
La película opera según una regla de fantasía de alto concepto: una maldición literal. La boca de Fletcher se convierte en traidora. Intenta mentirle a su jefe. Intenta mentirle a su ex esposa. Intenta mentirse a sí mismo. No funciona. El guión se apoya en gran medida en la comedia física de la represión. Las expresiones faciales de Carrey hacen el trabajo pesado aquí. Observas cómo los músculos de su rostro se contraen mientras lucha contra la maldición. Se trata menos de bromas ingeniosas y más de malestar visceral.
Al público de 1997 le encantaba ver a un hábil abogado desollado por su propia honestidad. Las escenas en la sala del tribunal son lo más destacado. El colega de Fletcher intenta darle líneas. Las líneas fallan. El juez está desconcertado. El abogado contrario está confundido. Es un espectáculo de humillación pública disfrazado de entretenimiento.
El núcleo emocional
Debajo de la payasada se esconde una historia sorprendentemente fundamentada sobre la paternidad. Max (Justin Cooper) no es sólo un recurso argumental. Él es la brújula moral de la película. Fletcher ha estado ausente con tanta frecuencia que Max ha dejado de creer que su padre lo ama. La maldición obliga a Fletcher a afrontar lo que ha perdido. No puede salir de esta con sus encantos. En realidad tiene que ser honesto.
Este cambio cambia la forma en que otros personajes reaccionan ante él. Su ex esposa, Audrey (Maura Tierney), ve un lado de Fletcher que ella pensaba que era falso. Esta vez no es falso. La incomodidad de la vulnerabilidad se convierte en el conflicto central. ¿Puede un hombre que ha construido su carrera sobre la base del engaño aprender a valorar la verdad? La película sugiere que sí, pero sólo después de que el daño esté hecho.
Elenco y legado
Jim Carrey ofrece lo que a menudo se considera su interpretación más madura fuera de los papeles dramáticos. Equilibra la energía maníaca de Ace Ventura con un patetismo genuino. Matthew Broderick, si recuerdas sus trabajos anteriores, se destaca como el hombre heterosexual en The Cable Guy, pero aquí, Carrey lleva todo el peso emocional. El reparto secundario, incluida Amanda Donohoe como la abogada rival, proporciona agudos contrapuntos al desmoronamiento de Fletcher.
La película recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo. Demostró que Carrey podía
Mentiroso Mentiroso ‘daki Fletcher Reede karakteri, mesleği gereği hep yalan söyleyen bir avukattı. Ama bir gün, oğlunun doğum günü dileğiyle tüm dünyada yalan söyleyemez hale gelir. Jim Carrey, pero su tiempo es idéntico al de su rol de kendini gösterdi. Tom Shadyac yönettiği bu komedi, 1997 yılında sinemaseverlerle buluştu.
- Tür: Comedia
- Yönetmen: Tom Shadyac
- Oyuncular: Jim Carrey, Maura Tierney, Swoosie Kurtz
- Año: 1997
- IMDb: 6.9
13. El show de Truman (1998) – IMDb: 8.1
Jim Carrey’in kariyerindeki e ikonik rollerden biri olan The Truman Show, onu sadece eğlenceli bir yıldızdan derinlikli bir aktöre dönüştürdü. Peter Weir’in yönettiği bu bilim kurgu komedisi, bir adamın hayatının aslında büyük bir televizyon şovunun parçası olduğunu fark etmesini konu alır. Truman Burbank, tepe evinde gökyüzünde bir duman görene kadar hayatının bir yapay olduğunu bilmez.
Carrey’in performansı, fiziksel komediden duygusal derinliğe kadar geniş bir yelpazede. Filmin senaryosu Andrew Niccol tarafından kaleme alındı. The Truman Show IMDb’de 8.1 puanla listeki diğer komedi filmlerinin çok önüne geçti. Bu yüksek puan, filmin sadece bir eğlence değil, aynı zamanda medya y gerçeklik üzerine bir sorgulama olduğunu gösteriyor.
- Tür: Bilim Kurgu / Komedi
- Yönetmen: Peter Weir
- Oyuncular: Jim Carrey, Laura Linney, Noah Emmerich
- Año: 1998
- IMDb: 8.1
Bir ada kasabasında kusursuz, kontrollü bir hayat süren Truman ’ın aslında devasa bir TV programının içinde yaşadığını keşfetmesi, dokunaklı bir dram-komedi öyküsü. Peter Weir yönetmenliğindeki film, özgür irade, gerçeklik algısı y medya eleştirisi gibi temaları işleyerek sinema tarihinin y unutulmaz yapımlarından biri haline geldi. Jim Carrey ’in kariyerindeki y etkileyici performanslardan biri olarak kabul ediliyor.
Tür olarak Komedi ve Dram altında sınıflandırılan yapım, 1998 yılında izleyiciyle buluştu. IMDb puanı ise 8.1 gibi güçlü bir skora sahip. Başrollerinde Carrey’i Laura Linney y Natascha McElhone destekliyor.
14. El hombre en la Luna (1999) – IMDb: 7.4
Truman’ın özgürlük arayışından hemen sonra gelen bu film, tam tersi bir konsept sunuyor. Karizmatik ve dahi bir komedyen olan Andy Kaufman ’ın hayatını anlatan Man on the Moon, 1999 yapımı bir biyografik drama. IMDb lanzó la película 7.4 de Jim Carrey, yine başrolde. Bu sefer komediden ziyade, bir komedyeninin iç dünyasına, tuhaflıklarına and sahne dışındaki gerçekliğine odaklanıyoruz.
Peter Weir’in controla altındaki Truman Show ‘da gerçeklik bir tuzaktı. Aquí, Milos Forman ’ın yönetmenliğindeki Man on the Moon ’da ise gerçeklik bulanık. Kaufman’ın kim olduğu, ne zaman taklit yaptığını, ne zaman orijinal olduğunu ayırt etmek imkansız hale geliyor. Carrey’in performansı, bu belirsizliği yansıtacak şekilde titizlikle kurgulanmış.
Su película iki de “gerçek nedir” sorusunu farklı açılarla sorguluyor. Truman Show ’da sorgulanan şey dış dünya ve medya manipülasyonu. El hombre en la Luna ’da ise sorgulanan, bir sanatçının kimliği ve izleyici ile kurduğu ilişki. Carrey, pero su personaje farklı arasında geçiş yaparak todavíaenek yelpazesini kanıtlıyor.
Jim Carrey no sólo actuó en El hombre en la luna. Habitaba a Andy Kaufman. Esa distinción importa. El director Milos Forman capturó algo crudo aquí. Kaufman era un enigma de comedia. Su vida fue una obra de arte escénica que salió mal o bien, según a quién le preguntes. Carrey lo interpretó con una precisión inquietante. No fue una burla. Fue una mímica bañada en empatía.
El elenco apoya este delicado paseo por la cuerda floja. Danny DeVito aparece como Bob Zmuda, el manager y mejor amigo de Kaufman. Courtney Love interpreta a Lynne Margulies. Fundamentan el surrealismo. Sin ellos, la película podría flotar hacia la pura abstracción. Más bien, permanece atado a la realidad. La película combina comedia, biografía y drama. Es una mezcla desordenada. Por eso funciona.
El desempeño de Carrey sigue siendo un punto de referencia. Pasa de la payasada a la introspección en una sola escena. La calificación de IMDb de 7,4 refleja su estatus de culto. No es del agrado de todos. Algunos encuentran irritantes los métodos de Kaufman. La película no rehuye el malestar. Se pregunta por qué vemos a la gente fracasar públicamente. Man on the Moon responde mostrándonos al ser humano detrás de la broca.
Por qué la comedia física de Jim Carrey me define a mí, a mí mismo y a Irene
Cambiando de tema a Yo, yo mismo e Irene (2000). El tono cambia drásticamente. Aquí, Carrey interpreta a Charlie Baileygates. Un policía estatal con problemas de control de impulsos. La premisa es simple. La persecución en bicicleta de Charlie conduce a la ruptura con su novia. Se muda a Rhode Island. Charlie la sigue. Sobreviene el caos.
La puntuación de IMDb cae a 6,6. Los críticos lo llamaron formulaico. A los fanáticos les encantaron los chistes físicos. El cuerpo de Carrey es su instrumento. Se retuerce, cae y se contorsiona. Es agotador verlo. Ese es el punto. Charlie es un hombre en guerra consigo mismo. O mejor dicho, en guerra con su propio cerebro.
La película se basa en la capacidad de Carrey para ser patético y agradable al mismo tiempo. No es encantador como Kaufman. Está desesperado. Esta desesperación impulsa la trama. Es una película de viajes por carretera disfrazada de comedia romántica. Pero el romance es secundario frente a la comedia de errores.
La actuación de Carrey es más amplia aquí. Menos sutil. Más explosivo. Muestra una faceta diferente de su gama. No está tratando de ser real. Está tratando de ser gracioso. Y, sobre todo, lo consigue. El reparto secundario maneja bien el absurdo. Pero la película pertenece a Carrey.
La evolución de la personalidad cómica de Carrey
Mirar estas dos películas una al lado de la otra revela una trayectoria. El hombre en la luna (1999) requería moderación. Carrey se contuvo. Dejó hablar las peculiaridades de Kaufman. El humor surgió de la precisión. Del extraño valle de la imitación.
Me, Myself & Irene (2000) exigía el exceso. Carrey se pasó de la raya. El humor surgió de la escalada. De la pura imposibilidad de las situaciones. Una película es un estudio. El otro es un espectáculo.
Ambas películas resaltan la ética de trabajo de Carrey. No depende del CGI. Él confía en su propio físico. En El hombre en la Luna, estudia la voz de Kaufman. en
16. Bruce Todopoderoso (2003) – IMDb: 6.7
Jim Carrey otra vez. Esta vez no está luchando contra una doble personalidad. Él está luchando contra Dios. O al menos tiene el trabajo del tipo. Bruce Nolan es un reportero de televisión en Buffalo que no puede tener un respiro. Sus historias quedan enterradas. Su jefe lo toma por tonto. Y su novia, interpretada por Jennifer Aniston, pierde la paciencia. Entonces Bruce mira al cielo y grita. Culpa al Todopoderoso por el desastre. Y el Todopoderoso responde. No con una zarza ardiente. Pero con línea directa. De repente Bruce puede hacer cualquier cosa. Sanar a los enfermos. Mueve montañas. Haz que llueva en el desierto. Es la máxima fantasía de poder.
Pero no es lo que esperaba.
La premisa de Bruce Almighty es simple pero efectiva. Un hombre adquiere poderes divinos y se da cuenta de que ser responsable de la felicidad de los demás es una pesadilla. No puede arreglar el libre albedrío de la gente. No puede detener la angustia. No puede hacer que el amor funcione por arte de magia. La película se apoya en gran medida en la comedia física de Carrey, pero también plantea una pregunta que la mayoría de la gente evita. ¿Qué harías si no tuvieras consecuencias?
El viaje de poder
Carrey interpreta a Bruce como un tipo que está cansado de perder. Es pasivo en su vida normal. Entonces él está activo en su papel de dios. Él arregla su vida al instante. Consigue el ascenso. Él recupera a la chica. Se gana el respeto. Pero la alegría no dura. La película muestra que el poder sin conexión está vacío. Bruce intenta engañar a la muerte. Intenta controlar los resultados. Todo se desmorona.
“Quiero ver a Dios. Quiero ver al tipo que dirige este espectáculo”.
Esa línea configura toda la película. Bruce quiere respuestas. Quiere comprender la fuente de su dolor. Pero no le gusta la respuesta que recibe. El Todopoderoso, interpretado por Morgan Freeman, está tranquilo. Distante. Casi divertido. Freeman no da un sermón. Él da una prueba de la realidad.
Reparto y entorno de apoyo
Jennifer Aniston es clave aquí. Ella no es sólo un premio que ganar. Ella es el centro moral. El viaje de Bruce consiste en convertirse en alguien digno de ella, no sólo en recuperarla. Chris Cooper aparece como un reportero rival. Él es el antagonista. Pero también es un espejo. Le muestra a Bruce lo que sucede cuando dejas que el ego tome el volante.
La ubicación también importa. Buffalo ofrece un telón de fondo gris y mundano. Contrasta con los efectos brillantes y caóticos de los poderes de Bruce. Sientes el peso de lo ordinario. Entonces ves el espectáculo. El cambio visual refuerza el tema. La vida es aburrida hasta que cambias de perspectiva. O hasta que explotes un edificio por accidente.
Por qué funciona
Bruce Almighty tiene éxito porque equilibra lo tonto con lo sincero. Las payasadas de Carrey son exageradas. Pero los latidos emocionales aterrizan. Te preocupas por Bruce. Quieres que aprenda. La película no predica. Lo demuestra. Mostrar es mejor que contar. Cuando Bruce se da cuenta de que no puede amar a alguien a quien controla, el mensaje permanece.
Es un tono más claro Me, Myself & Irene. Menos oscuro. Más esperanzador. Pero ambas películas tratan de la identidad. ¿Quiénes somos cuando nadie nos mira? ¿Quiénes somos cuando todo es fácil?
El
Bruce Nolan (Jim Carrey) ha tenido una mala noticia. Nueva York’ta bir televizyon istasyonunda çalışan, herkesin şanssız olduğunu düşündüğü, sabahın köründe alaycı haber bültenleri yapan biri. Her gün şikayet listesi uzayıp gidiyor. Ta ki bir gece, cehennemi bile argo kelimelerle doldurarak Tanrı’ya (Morgan Freeman) yalvarana kadar.
Cevap sorpresa. Bruce, su dakika está en constante evolución.
Düşün. Su istediğin olur. Hava durumu senin kontrolünde. Trafiği durdurabilirsin. Sevgilin Kate (Jennifer Aniston) trabaja sanamente. Şefin sürekli başını ağrıtan o küçük sorunlar çözüverir. İlk başta harika. Paha biçilemez bir adrenalina. Ama güç tek başına bir hediye değil. Oh, bir sorumluluk. Bruce, Tanrı olmanın aslında ne kadar yorucu ve karmaşık bir iş olduğunu kavramak zorunda kalır.
Tom Shadyac’ın yönettiği bu película de 2003, sadece bir komedi değil. Arkasında derin bir dram ve felsefi bir sorgulama yatar. Fantastik unsurlarla dolu olsa da, insan doğası ve mutsuzluk üzerine kurulu gerçekçi bir hikaye anlatır.
Bruce Almighti, izleyiciye şu soruyu sorar: Eğer her şeyi kontrol edebilseydin, gerçekten mutlu olur muydun?
Filmin kadrosu, Carrey’in komik Yeteneğini y iyi şekilde ortaya koyuyor. Freeman es una sesión, otoriter y biraz da yorgun bir ilahi varlık olarak unutulmaz bir performans sergiliyor. Aniston ise o klasik, sevimli ama karmaşık karakteriyle filmi ayakta tutuyor.
Versión de IMDb 6.7. Eleştirmenler tarafından karışık ama genel halk tarafından sevilen bir tablo çiziyor. Neden? Çünkü mükemmel değil. Ama duygusal.
Şimdi, hemen ardından gelen başka bir başyapıt.
17. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004) – IMDb: 8.3
El rango de comedia de Jim Carrey nunca fue puesto a prueba hasta Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. Michel Gondry no sólo dirigió; torció la realidad. La trama es bastante sencilla sobre el papel. Joel Barish borra a su exnovia Clementine. Es un procedimiento médico. ¿Pero la ejecución? Desordenado. Bellamente desordenado.
El elemento de ciencia ficción no se trata de naves espaciales. Se trata de preservación emocional. Y fracasar en ello. Kate Winslet interpreta a Clementine con una agudeza que equilibra la energía nerviosa de Carrey. Kirsten Dunst contribuye a la atmósfera surrealista. Este no es un romance estándar. Es una deconstrucción del amor y la memoria.
Por qué este drama romántico pertenece a las mejores listas
Los críticos lo llaman una obra maestra. Los fanáticos están de acuerdo. Tiene un 8,3 en IMDb por una razón. La combinación de géneros funciona porque la emoción se siente cruda. No estás viendo una historia de amor. Estás viendo las consecuencias de uno. El estilo visual respalda esto. Cámaras de mano. Conjuntos surrealistas. Parece un sueño que no puedes recordar del todo.
- Género: Drama, Romance
- Director: Michel Gondry
- Elenco: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst
- Año de lanzamiento: 2004
- Calificación: 8.3/10 en IMDb
Alejándonos de lo cerebral, aterrizamos en un tipo diferente de oscuridad. Dark Academia se encuentra con la tragedia gótica.
Una serie de eventos desafortunados (2004) – IMDb: 6.8
Si Eternal Sunshine es un sueño febril, A Series of Unfortunate Events es un expediente sin resolver. Basado en los libros de Lemony Snicket. La película cambia el monólogo interno por tristeza visual.
Los huérfanos Baudelaire. Violeta, Klaus y Sunny. Lo pierden todo en los primeros diez minutos. Fuego. Orfanato. Conde Olaf. La historia sigue sus intentos de sobrevivir a un guardián que claramente no trama nada bueno.
No funciona tan bien como los libros. El humor es más seco. El ritmo se retrasa en el medio. Pero el diseño de producción es impresionante. Cada cuadro parece un cuadro del siglo XIX. Sólo el vestuario merece la pena verlo.
- Género: Aventura, Comedia, Drama
- Director: Barry Sonnenfeld
- Elenco: Jim Carrey, Liam Aiken, Emily Browning
- Año de lanzamiento: 2004
- Calificación: 6.8/10 en IMDb
Una serie de eventos desafortunados de Lemony Snicket es una película que se apoya en gran medida en sus raíces góticas manteniendo un toque cómico. La historia sigue a tres hermanos huérfanos que se ven constantemente frustrados por el codicioso Conde Olaf, interpretado por Jim Carrey. No se trata sólo del drama del orfanato. La película también presenta a Meryl Streep y Jude Law en papeles secundarios, lo que añade peso al tono absurdo. Brad Silberling dirigió la película de 2004, que combina fantasía con humor negro. Tiene una calificación de IMDb de 6,8.
19. Diversión con Dick y Jane (2005) – IMDb: 6.1
La caída de Jim Carrey a mediados de la década de 2000 es una tragedia bien documentada del casting de Hollywood. Después del éxito de Yes Man (2008), pasó años atrapado en un extraño purgatorio de fracasos directos en video y fracasos críticos. Diversión con Dick y Jane encaja perfectamente en esa incómoda época media. Es una nueva versión de una película de 1977, pero en lugar del peculiar encanto del original, esta versión se apoya con fuerza en la energía maníaca de Carrey hasta que colapsa bajo su propio peso.
La trama es dolorosamente predecible. Dick Harper (Carrey) trabaja en una empresa de alto nivel. Lo despiden por razones que no importan. Su esposa Jane (Téa Leoni) lo apoya pero es igualmente vulnerable. Pierden su casa. Pierden sus ahorros. El guión sugiere que recurren al crimen para sobrevivir. Es una sátira sobre la disparidad de riqueza, claro. Pero la sátira parece escasa. Dean Parisot dirige con mano firme que no logra salvar el material. Alec Baldwin interpreta a un hombre de negocios espeluznante. Téa Leoni hace lo mejor que puede con un diálogo limitado. Angie Harmon aparece como un interés amoroso, lo que aumenta el desorden.
IMDb le da un 6,1. Eso es generoso. El humor se basa en que Carrey se exceda. No aterriza. El comentario social es demasiado directo para ser inteligente. Lo miras preguntándote si a Carrey le pagaron demasiado como para que le importara.
El número 23 (2007) – IMDb: 6.4
Luego viene El Número 23. Un thriller psicológico teñido de terror. Jim Carrey interpreta a Walter Sparrow. Dueño de una tienda de mascotas. Un hombre de familia. El tipo de persona que corta el césped los domingos. Encuentra un manuscrito. Está escrito por un autor muerto. El libro trata sobre un hombre obsesionado con el número 23.
Walter comienza a leerlo. No puede parar. El número aparece por todas partes. 23 dólares. 23 segundos. 23 años. Es un patrón. O un engaño. Carrey se deshace aquí de su habitual piel cómica. Interpreta a Walter como un hombre que se desmorona en tiempo real. La actuación es física. Transpiración. Sacudida. La cámara permanece cerca. Demasiado cerca.
El director Joel Schumacher envuelve la película en una niebla de paranoia. La escenografía es claustrofóbica. Las sombras se alargan demasiado. La puntuación es un dron bajo que nunca se detiene. Se supone que debe dar miedo. Sobre todo se siente agotador. Carrey ofrece una actuación comprometida. No hay risas. Sin guiños a la cámara. Sólo miedo.
IMDb lo califica con un 6,4. Tiene mejor recepción que Diversión con Dick y Jane. ¿Pero es bueno? El misterio es débil. Las explicaciones son vagas. El final intenta ser profundo. Simplemente se siente como un agujero en la trama disfrazado de filosofía.
La carrera de Carrey en este período fue un juego de adivinanzas. Los fanáticos querían la payasada. Los estudios querían el drama. Probó ambos. Principalmente aterrizó en el medio. Incómodo. Desenfocado.
“Él no está actuando. Está reaccionando a un guión que no sabe lo que quiere”.
El contraste entre las dos películas es marcado. Se trata de una sátira social fallida. El otro es un horror psicológico fallido. Ambos confían en que Carrey cargue con la carga emocional. Ninguno proporciona
The Number 23 de Schumacher no es exactamente un deleite para el público. Arrastra a Walter Sparrow a una madriguera de conejo donde cada coincidencia se siente como una maldición. Carrey se deshace de la tontería con cara de goma por algo mucho más inquietante. No sólo interpreta a un padre que lee un libro extraño. Él se está desmoronando. La numerología se vuelve pesada. El misterio se vuelve más oscuro. Y al final, te preguntas si el número siempre estuvo ahí o si su mente simplemente lo inventó para castigarlo. Primero es un thriller y luego un vehículo de Carrey.
Pero rebobinemos la cinta. Antes de la obsesión, antes de la paranoia, estaba la era de la mente abierta.
Por qué ‘Yes Man’ sigue teniendo un éxito diferente en 2024
IMDb: 6.8. Sobre el papel, se trata de una puntuación sólida. No es una obra maestra. Ni siquiera está cerca. Pero captura un momento específico de la cultura pop donde el optimismo no era sólo una vibra; fue una receta.
Dirigida por Peyton Reed, quien luego se haría cargo de la franquicia Ant-Man, Yes Man (2008) parece sorprendentemente sólida para una película de Carrey. La premisa es simple. Casi dolorosamente. Un hombre que dice “no” a todo finalmente dice “sí” a todo.
Jim Carrey interpreta a Carl Allen. Está estancado. Su vida es una serie de puertas cerradas. No consigue un ascenso. No hace amigos. Ni siquiera prueba el restaurante de sushi de la calle porque está demasiado ocupado siendo miserable. ¿El catalizador? Un seminario de autoayuda en el que le dicen que diga sí a todas las oportunidades durante un año.
Suena como un truco. Y para el primer acto, lo es. Carrey salta de una situación absurda a otra. Acepta un trabajo como taxista. Aprende a pilotar un avión. Tiene citas con mujeres que apenas conoce. Las imágenes son brillantes. El ritmo es ágil. Es puro escapismo.
Pero esto es lo que la gente olvida cuando habla de esta película. No se trata sólo de decir que sí. Se trata de lo que sucede cuando la novedad desaparece.
La película no solo pregunta si debes decir que sí. Te pregunta si estás preparado para el caos que sigue.
Virginia Madsen interpreta a Allison, una mujer que también dice que sí. Su romance no es un torbellino. Es complicado. Es real. Madsen aporta una calidez que fundamenta la energía maníaca de Carrey. Sin ella, Yes Man es sólo una serie de bromas. Con ella, es una historia sobre la conexión.
Logan Lerman aparece como el hijo de Carl. La relación entre padre e hijo es el ancla emocional. Carl ha estado ausente. No físicamente, sino emocionalmente. Decir que sí le obliga a estar presente. Lo obliga a aparecer.
El elenco de apoyo es fuerte. Bradley Cooper tiene un papel breve y memorable como un colega que se convierte en un amigo improbable. John Michael Higgins proporciona el alivio cómico como el jefe de Carl. Es una máquina bien engrasada.
Los críticos estaban divididos. Algunos lo llamaron superficial. Otros lo consideraron necesario. Pero al público le encantó. Hizo reír a la gente. Hizo que la gente sintiera algo.
En una década definida por el cinismo, Yes Man
Yes Man (2008) de Jim Carrey es un estudio de caso sobre el caos de decir “sí” cuando la configuración predeterminada es “no”. Carl (Carrey) está atrapado en una rutina, bloqueando constantemente a la gente hasta que asiste a un seminario de autoayuda que exige una política afirmativa 24 horas al día, 7 días a la semana. Los resultados son cómicos pero confusos. Bradley Cooper y Zooey Deschanel aparecen en papeles secundarios, lo que se suma a la mezcla de comedia romántica. Peyton Reed dirigió. Obtuvo una puntuación de 6,8 en IMDb. El tema es simple: la positividad abre puertas, incluso si no sabes qué hay detrás de ellas.
Por qué los pingüinos del Sr. Popper fracasaron con la crítica pero encontraron un hogar en las familias
Si está buscando la continuación de 2011 de esa ola de comedias familiares de nivel medio, Mr. Los pingüinos de Popper es el que pasó desapercibido. La puntuación de IMDb se sitúa en un modesto 6,0. No batió récords de taquilla ni ganó premios. Pero tiene un encanto específico que atrae a niños y padres cansados de las películas de superhéroes de alto riesgo.
La trama sigue a Tom Popper (Jim Carrey), un arquitecto exitoso pero emocionalmente distante. Vive en un ático estéril en la ciudad de Nueva York. Valora el orden. Odia el desorden. Luego su padre del que está separado muere y le deja algo inesperado. No dinero. No propiedad. Siete pingüinos.
Esto no es un documental. Estos no son pájaros cualquiera. Son grandes. Están mojados. Son caros de alimentar. Y se multiplican.
El caos de la fauna urbana en un apartamento de lujo
La premisa es absurda por diseño. ¿Cómo maneja un poderoso hombre de negocios de Manhattan una colonia de pingüinos? Él no lo sabe. Ésa es la broma. Carrey interpreta al hombre serio ante las payasadas de los pájaros. Su frustración es el motor de la película.
Los pingüinos escapan. Exploran la ciudad. Provocan desastres menores. Interactúan con los turistas. Incluso los arrestan. Una escena los involucra viajando en el metro. Parece ridículo. Fue filmado con pingüinos reales y mejoras CGI. Los pájaros son lindos. El CGI es promedio. El resultado es una combinación que funciona bastante bien para su público objetivo.
Por qué el control de la temperatura se convirtió en un punto de la trama
Una fuente importante de conflicto es el calor. El apartamento de Popper se mantiene a una temperatura fresca y precisa. Los pingüinos necesitan frío. La ciudad hace calor. Los pingüinos se sienten incómodos. Entonces escapan.
Esto crea una secuencia de persecución por las calles de Nueva York. No es una película de acción. Es una persecución de payasadas. Popper corre tras sus pájaros. La gente se queda mirando. La policía se involucra. El humor proviene del contraste entre el atuendo formal de Popper y el caos resbaladizo y contoneante de sus nuevos “hijos”.
El núcleo emocional: por qué los pingüinos le enseñaron a Popper a conectarse
Debajo del desorden de plumas hay una historia sobre un padre y un hijo. La relación de Popper con su padre era tensa. Su papá era excéntrico. Amaba a los pájaros más que a su hijo. A Popper le molestó eso. Construyó una vida de fría lógica para contrarrestar la calidez de su padre.
Los pingüinos lo obligan a cambiar. Tiene que cuidarlos. Tiene que tener paciencia. Tiene que ensuciarse. Al hacerlo, se reconecta con el legado de su padre. el
23. El Majestik (2001) – IMDb: 6.9
Jim Carrey’in kariyerindeki e ilginç dönemeçlerden biri kesinlikle The Majestik (Türkçe adıyla The Majestik ya da The Majestic ). Película de 2001, Carrey’i komedi maskesinin altına gömüp, aslında derinlikli bir dramın içine sokuyor. Carla Gugino y Ophelia Lovibond ’un da yer aldığı Sr. Los pingüinos de Popur ‘teki gibi bu film de Carrey’in Yeteneklerini farklı bir ışıkla gösteriyor. Mark Waters ‘ın yönettiği komedi filminin aksine, The Majestik Ron Underwood tarafından yönetildi.
- Tür: Dram, Comedi, Romantik
- Hombres: Ron Underwood
- Oyuncular: Jim Carrey, Martin Landau, Laura Linney
- Año: 2001
- IMDb: 6.9
El Majestuoso
Hablemos de The Majestic por un segundo. No es el vehículo habitual de Jim Carrey. Claro, él está ahí, pero no está haciendo la comedia maníaca y aplastante que esperas. En cambio, interpreta a Pete McKay, un guionista que recibe un golpe en la cabeza en un accidente automovilístico. Se despierta en la California de los años 50 sin memoria. Cree que es un mecánico local llamado Luke. El pueblo lo compra. El teatro local (el Majestic, obviamente) se convierte en su santuario.
Dirigida por Frank Darabont, la película se inclina fuertemente hacia la nostalgia. Está ambientado justo en el centro del Terror Rojo. El macartismo se avecina. La ciudad es pequeña, muy unida y desconfiada de los forasteros. McCarthy es un villano, no sólo un concepto político. El romance con el personaje de Laurie Holden añade peso. Martin Landau se roba escenas como el gruñón dueño del teatro. Es un drama. Es romántico. Pero sobre todo se trata de identidad. ¿Qué pasa cuando te reconstruyes desde cero?
IMDb se sitúa en un sólido 6,9. Es un favorito de culto por una razón. La atmósfera es espesa. La historia es humana.
Cuento de Navidad (2009)
Luego tenemos Cuento de Navidad de Robert Zemeckis. Lanzado en 2009. Utiliza captura de movimiento. Captura de movimiento intenso. Jim Carrey interpreta a Scrooge. Pero no sólo Scrooge. También interpreta a los tres fantasmas. El joven Scrooge. El viejo Scrooge. Marley. El hombre desempeña cuatro papeles distintos en una película. El CGI es… bueno, es de 2009. Parece asombroso. Algunos lo llaman espeluznante. Otros lo llaman revolucionario.
La historia se mantiene fiel a Dickens. Ebenezer Scrooge es un avaro. Odia la Navidad. Odia a la gente. El fantasma de las Navidades pasadas le muestra su juventud solitaria. El Fantasma del Regalo de Navidad le muestra a los Cratchit. El fantasma de la Navidad por venir le muestra su propia muerte no llorada. Arco clásico.
La actuación de Carrey es salvaje. Cambia completamente el tono entre los personajes. El joven Scrooge es vulnerable. El viejo Scrooge es cruel. Marley es aterradora. Es una muestra de variedad. La película fracasó inicialmente en taquilla. Las críticas fueron mixtas. Pero ha crecido en la gente. Es visualmente impactante. Incluso si la animación envejece mal.
IMDb lo califica con 6,8. Cerca de El Majestuoso. Pero el ambiente es totalmente diferente. Uno es un cálido abrazo. La otra es una fría pesadilla digital que de alguna manera se vuelve conmovedora.
La obra maestra de la captura de movimiento que definió la era navideña
No fue solo una película. Fue un espectáculo. En 2009, Hollywood observó con asombro cómo Robert Zemeckis traspasó los límites de lo que las imágenes generadas por computadora realmente podían hacer. Habíamos visto películas animadas antes. Habíamos visto antes adaptaciones de clásicos en imagen real. ¿Pero fusionar ambos con tecnología de captura de rendimiento? Eso era algo completamente distinto. El resultado fue una versión vibrante, ligeramente extraña e innegablemente efectiva de Un cuento de Navidad que todavía ocupa un lugar especial en la historia del cine navideño.
Jim Carrey está en el centro de esta tormenta. Pero no el Jim Carrey que conoces de Ace Ventura o Liar Liar. Esta fue una actuación sobria y emocionalmente cruda enterrada bajo capas de piel digital. Carrey no sólo interpretó a Ebenezer Scrooge. Desempeñó múltiples roles utilizando la misma tecnología de captura de movimiento. El joven Scrooge. El fantasma de las Navidades pasadas. El fantasma de la Navidad por venir. Cada versión requería un físico diferente, un peso emocional diferente, y Carrey los cumplió todos. Fue una hazaña que muchos críticos inicialmente subestimaron pero finalmente elogiaron.
“Carrey ofrece la mejor actuación de su carrera, anclando el espectáculo con una emoción humana genuina”.
El reparto de reparto estaba igualmente formado. Gary Oldman asumió el papel de Bob Cratchit y, en un giro que aún sorprende a los espectadores primerizos, el fantasma del regalo de Navidad. Colin Firth expresó el fantasma de la Navidad futura. Sus interpretaciones vocales proporcionaron la columna vertebral emocional de las imágenes. Sin su seriedad, la película podría haberse convertido en puro espectáculo. Con ellos, se convirtió en una historia.
¿Por qué importaba? Porque demostró que la animación no era sólo para niños. No fue sólo para los cuentos de hadas. Podría abordar las cuestiones morales más oscuras y complejas de la literatura. La novela de Dickens trata sobre la redención. Se trata del peso del arrepentimiento. Y hacer eso a través de CGI significaba que tenías que transmitir microexpresiones que los actores humanos podrían tener dificultades para lograr sin parecer forzados. Carrey lo logró.
La recepción de la película fue mixta al principio. Algunos puristas odiaban su aspecto. El efecto del “valle inquietante” fue real. Los personajes parecían demasiado humanos, pero no del todo. Pero con el tiempo, la estética ha envejecido mejor de lo esperado. Está estilizado. Es atrevido. No intenta parecerse a la vida real. Parece una pintura en movimiento.
Hoy en día, cuando hablamos de las mejores adaptaciones animadas de la literatura clásica, suele aparecer Cuento de Navidad (2009). No es sólo un viaje nostálgico al año 2009. Es un testimonio de lo que sucede cuando la tecnología sirve a la historia, y no al revés. El legado de esta película no son sólo sus cifras de taquilla. Está en la forma en que amplió el vocabulario de la animación.
Entonces, si no lo has visto desde que llegó a los cines por primera vez, regresa. Míralo de nuevo. Observe los detalles. Observe cómo los ojos de Carrey cambian entre los diferentes Scrooges. Sigue siendo mágico.
